Lavoravo a delle foto nei piani bassi dell’ufficio, guardando fuori dalla finestra vedevo l’ombra degli alberi muoversi sulla parete esterna che dà sul Pelmo. Riflettevo sul tempo trascorso nei cantieri, lavorando all’aperto sulle facciate esterne degli edifici. In quel momento ho pensato che sarebbe stato interessante scoprire se, analogamente a ciò che avviene con i pigmenti, anche con l’emulsione fotosensibile fosse possibile creare un’opera potenzialmente eterna come un affresco.
Senza sapere bene le mie intenzioni, quell’estate durante le giornate di IGP a Termine di Cadore, insieme a Lorenzo Barbasetti e alla sua squadra sono andata a raccogliere la sabbia dal letto del Boite. Sabbia media in prossimità della riva e sabbia fine dall’altro lato del fiume, dove il ciottolo è quasi fanghiglia. La sabbia, mescolata al resto degli ingredienti, ha composto Sinopia #0.

La colonia è un ecosistema quasi autosufficiente; l’ingranditore, i chimici, un paio di lampade rosse e poco altro è servito ad allestire il Lab Luce Fresca in una camera del personale di servizio dei dormitori dell’ex colonia. Per trovare il resto mi son spinta un po’ più in là. Feltre, il grassello, Peaio, tavelle di mattone gentilmente donatemi e sezionate con l’aiuto di Mattia Menardi che in quel periodo, con alcuni colleghi, studiava la carbonatazione dei cementi di Gellner. La sabbia raccolta andava setacciata e fatta ben asciugare, pena la qualità dell’intonaco. Quest’ultimo, steso in tre strati, andava incontro a problemi di tiratura e così anche l’emulsione stesa in altrettanti strati. Impossibile lavorare d’inverno, non per freddo altresì per umidità (e pericoloso, la calce viva a contatto con gli acidi libera fumi di cloro). Per i primi mesi una pellicola nera screpolata, sbiancata o annerita a seconda delle condizioni, una craquelure tossica che rivelava ben poco della croda di casso che stavo impressionando, era ciò che risultava dal lavoro in camera oscura. Stampare la foto di una croda equivale a coprire di pietra la pietra stessa: un’operazione tautologica nella quale il negativo diventa sinopia, la luce diventa il colore e  l’artista rinuncia al controllo totale, lasciando che il gesto, la fisica e la chimica concorrano all’esito del lavoro*. Il rapporto con la montagna non è per me così diverso, un ambiente che definisce tempi, limiti e condizioni con le quali è necessario misurarsi.
L’estate successiva, anch’essa umida e uggiosa, si è portata dietro le stesse difficoltà.
Dunque le tavelle preparate con quest’imprimitura fragile e specialissima devono necessariamente asciugare altrove, perché accada questa magia calcolata, affinchè, cioè, i viscosi liquidi fotosensibili si fondano con la matrice rocciosa, permeando e rivelando l’immagine sottotraccia.
Due spettacoli consecutivi in un divenire lento e veloce: l’amalgama di calce e sabbia acquista consistenza mentre l’emulsione la ricopre densa e precaria. La luce inquieta mette tutto in movimento e fossilizza i sali d’argento in superficie rendendo l’immagine scalfibile solo quanto la pietra. Il lavoro non sublima la montagna: la accetta come sistema di vincoli.
…
Qualcosa di spirituale c’è sempre nelle reazioni chimiche.

*“Du mode d’existence des objets techniques”
L’idea che l’oggetto (qui l’opera) non sia una forma imposta, ma il risultato di un equilibrio tra forze, materiali, ambiente.

Chiara Beretta

Foto: Chiara Beretta, Teresa De Toni, Ivana Sfredda, Lev Fazio.

Il Villaggio è paesaggio: dalla strada, dalla SS51, sono visibili soltanto due elementi, la guglia di Nostra Signora del Cadore e la cuspide dell’Aula Magna.

L’architettura diventa montagna, il pensiero diventa paesaggio.

L’incarico per il progetto gli viene proposto nel ’54, poco prima dei Giochi Olimpici di Cortina ’56, per i quali Gellner aveva già progettato il Motel Agip a Cortina d’Ampezzo, proprio dove i giochi invernali torneranno. Gellner lo aveva immaginato, lo aveva già pensato, lo aveva disegnato: esistono progetti di ampliamento del Villaggio ENI, pensati per accogliere la logistica di un secondo evento così impattante su questo territorio, così fuoriscala rispetto alla capacità di comprenderlo, così sprecato rispetto alla legacy e ai bisogni di questi territori.
Gellner ha lasciato una sua legacy: la Colonia, il Villaggio, i suoi progetti più grandi. Come immaginare l’evoluzione organica di questi oggetti?

Sull’immaginare verte quindi la ricerca fotografica di Carlotta: sul tentativo di rappresentare qualcosa di potenziale, di coerentemente ipotetico, riferendosi però alle forme e agli spazi già presenti a Corte di Cadore. Carlotta non ha mai visto i progetti originali, ma in un anno di lavoro ha immaginato un cantiere nascosto. In queste immagini si ritrovano lo studio delle forme, l’analisi dall’interno – dalle viscere della Colonia – del programma colore e dell’urbanistica su diverse scale.
Poi il rapporto con il paesaggio: le aperture, gli spazi, le angolazioni e le inquadrature perfettamente calibrate. Il rapporto con la montagna, con il contesto geologico, con lo spazio, il vuoto, il potenziale, l’immaginifico.

Questo progetto studia il design e l’architettura attraverso la fotografia, con una pulizia coerente con il lavoro di Gellner, ma insiste anche su ciò che non c’è, creando nuove immagini a partire da rudimentali scannerizzazioni 3D o da blocchi di argilla raccolti a Borca e a Cancia, schizzi e appunti.

Carlotta cattura l’ordine, il razionalismo di Gellner e lo inserisce nello spazio di un esercizio concettuale.

Il progetto è finanziato dall’Unione Europea – NextGenerationEU.

e sostenuto da tutta la rete dc

La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 200×500 cm, ottobre 2025, Aula Magna, Corte di Cadore (foto Teresa De Toni)

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Il ciclo de La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, 2023-2025

Nel 2023, Mastropieri ha realizzato la prima opera del ciclo, a cui ne son seguite altre quattro, sempre su medi formati, che hanno incluso studi e visioni e proiezioni e focalizzazioni su alcuni degli elementi primari che determinano il paesaggio di Borca come lo si esperisce percepisce da Corte di Cadore.
Il Bus del Diaol, gran caverna in parete della Sud dell’Antelao; Il Trono di Dio, Caregon del Padreterno, il Pelmo Poderoso, stabile in potenza di massa paesaggio, mutevolissimo della luce.
ad ottobre 2025, l’artista ha chiuso il ciclo, realizzando l’opera finale, la più grande, 200×500 cm, nella foto quissopra.

Quest’opera è la fine di un ciclo di lavori che riscrivono la nascita della vallata di Borca rimodellando il paesaggio attraverso il mezzo pittorico.
L’immagine ha preso forma grazie alla ricezione di alcune informazioni riguardanti Borca e il Villaggio Eni. In particolare, l’opera architettonica di Edoardo Gellner non riguarda soltanto gli apparati architettonici del Villaggio, ma anche il bosco/foresta.
Prima che venisse costruito il villaggio, l’Antelao, il re, era una pietraia, il covo di vipere.
Durante la costruzione del villaggio, lungo le strade sono state disposte delle piccole zolle di terra, che col tempo sono diventate agenti che hanno terraformato l’area dando vita al bosco/foresta che oggi circonda la colonia, le villette, la chiesa, e più in generale l’intera area. Una volta acquisita, quest’informazione ha contribuito al nascere dell’idea di produrre un’immagine che ricostruisse in chiave fantastica il paesaggio della vallata di Borca, una terraformazione pittorica, fantascientifica, cristiana-folkloristica.
Un lavoro di questo tipo avrebbe richiesto una strutturazione solida di tutti gli elementi rappresentati, in modo che potessero comunicare e condividere lo spazio in modo armonioso ed ecosistematico. In primo luogo, è stato importante scegliere quelli che sarebbero stati gli agenti terraformativi del paesaggio, da associare al Pelmo e all’Antelao, le montagne che circondano la vallata.
Il primo elemento vitale scelto per la terraformazione di Borca è stata l’Acqua, da associare al Pelmo, il trono di Dio. Si dice che all’interno del Pelmo c’è un oceano, una rete di canali idrici formati nel corso dei millenni dall’erosione dell’acqua.
Il Pelmo, dunque, si trasforma in una massa di acqua e ghiaccio che scende inondando ogni cosa, e che si congiunge al centro dell’immagine con il Fuoco, l’elemento associato all’Antelao, che arde su tutta la superficie della montagna.
Data la conformazione della vallata, al sorgere del sole il re è in ombra mentre il trono di Dio è illuminato. Al tramonto, l’Antelao si “accende”, mentre il Pelmo si oscura.
 Fuoco e acqua, ai rispettivi antipodi, convergono al centro generando vapore, che si leva alto nel cielo e discende nuovamente sotto forma di pioggia, avviando il ciclo atmosferico che terraforma l’ambiente.
Deciso tutto questo, sono occorsi due anni di studi e lavori per curare ogni aspetto dell’immagine che avrebbe dato vita alla Terraformazione di Borca.

L’opera che chiude il ciclo della Terraformazione (200×500 cm, 2025)

La prima decisione presa per l’opera conclusiva è stata la scelta del formato. La misura di 2×5 metri ha favorito uno sviluppo del paesaggio più ampio e disteso, dando modo agli elementi cardine come il Pelmo e l’Antelao di avere la giusta rilevanza compositiva essendo però in comunicazione e armonia con gli altri elementi senza che uno predomini sull’altro. Un altro aspetto da tenere in considerazione è la scelta di adottare un impianto visivo “iconografico”, con le cime viste frontalmente, di modo da poter riscrivere la conformazione della vallata in modo libero e funzionale, dando vita contemporaneamente ad un luogo al di fuori del tempo. Impostata la composizione, l’intera raffigurazione si è stratificata orizzontalmente ad iniziare dal cielo, che dal grigiore dei cumulonembi formati dal Pelmo acquatico volge al buio, in blu profondo dove le nubi vengono illuminate dal fuoco dell’Antelao.
Fatto questo, la parte centrale dell’opera è stata “fissata” come perno di respiro, così da avere una porzione di immagine più rilassata che alleggerisse e regolasse la pienezza e la forza canalizzante degli altri protagonisti dell’immagine. A ciò, ha seguito la lavorazione lenta, sistematica e ossessiva sia del Pelmo acquatico che dell’Antelao di fuoco, modellando attraverso il segno la forma delle campiture ampie delle superfici rocciose, dell’acqua che scorre e del fuoco che danza tramite le sue lingue. Fatto questo, l’immagine ha raggiunto la sua compiutezza attraverso una coltre di nebbia, frutto dell’incontro tra acqua e fuoco, e vapore
che si dipana lungo tutta la superficie di terra e mette in comunicazione tutti le parti del dipinto. Infine, ha seguito un meticoloso raffinamento di tutti gli elementi curati in ogni dettaglio.
 Il risultato di questo lavoro (due mesi di tempo e 7kg di peso) è un paesaggio ampio e fuori dal tempo, che poggia su di una struttura in cui tanti elementi figurativi e pittorici contrastanti convivono proporzionalmente all’interno dello stesso luogo.

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Le opere, nell’ordine di produzione:

1. La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 70×100 cm, 2023
2. Bus del Diau, olio su tela, 60×80 cm, 2023
3. Il trono di Dio, olio su tela, 60×80 cm, 2023
4. Libero Spazio di Terraformazione, olio su tela, 40×80 cm, 2024
5. Ultimo preludio, olio su tela, 80×200 cm, 2025
6. La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 200×500 cm, 2025

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Alcune delle opere, fotografate da Teresa De Toni a ottobre 2025, durante il non-Openstudio Ripa_Rampa, nell’Aula Magna della Colonia dell’ex Villaggio Eni, dove sono state prodotte tra il 2023 e il 2025

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Caterina Erica Shanta ha avviato il progetto OBIARCH, in collaborazione con Dolomiti Contemporanee e Progettoborca.
Scoprilo qui, nel website dedicato: www.obiarch.com

OBIARCH è un archivio online che raccoglie storie di cose, oggetti e affetti per narrazioni post-apocalittiche.

OBIARCH nasce dall’unione di due parole: Obicere e Archive. Obicere dal latino medievale Obiecum, “porre innanzi, al pensiero e agli occhi”. Oppure dal latino Obiectare, obiettare, “gettare incontro, opporre”.

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Le immagini qui di seguito sono di C. E. Shanta.

Cardatore, strumento per pettinare la lana, legno e pettine di ferro, casa di Nicoletta, Cancia, Borca di Cadore.

Dettaglio della carta per eliografo posizionata dietro la sfera di cristallo, questa si brucia durante le ore di sole e permette quindi di misurare il tempo giornaliero di esposizione ai raggi. TESAF, Centro Studi per l’Ambiente Alpino Lucio Susmel di S. Vito di Cadore.

Visione in pianta del complesso della Gabbia dell’Orso, progettata da Edoardo Gellner, 1960, Ex Colonia Eni, Borca di Cadore. Fotogrammetria.

Nicchia per Madonna angolare trasportabile; la nicchia e la statua risalgono a due periodi diversi; la nicchia è stata realizzata appositamente per ospitare questa particolare statuta perché, stando al racconto delle due sorelle, è stato l’unico elemento ligneo a salvarsi dall’incendio di Vinigo di Cadore alla vigilia di Natale del 1940…

Colpo di cannone rinvenuto tra le montagne, poi dipinto dal padre di Nicoletta e utilizzato come vaso per fiori a stelo lungo, casa di Nicoletta, Cancia, Borca di Cadore.

Eliografo, strumento per misurare le ore di sole nell’arco della giornata, TESAF, Centro Studi per l’Ambiente Alpino Lucio Susmel di S. Vito di Cadore.

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Il progetto è finanziato dall’Unione Europea – NextGenerationEU.

#caterinaericashanta #obiarch #dolomiticontemporanee

Alessia Armeni, Porzione di Gellner, -01, -02, -03, -04, olio su tela, cm 47×42, 2018, rivisto e tagliato nel 2025

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Cosa ho fatto quando ho ritratto gli spazi di Gellner. 
La mia è una riflessione sullo spazio, in continuità con esso, i miei quadri fanno parte dello spazio in cui vivono, risentono dello spazio che li circonda e suggeriscono una lettura dello spazio in cui si trovano. In modo che l’architettura entri nel quadro ma anche il quadro pervada l’architettura E’ un lavoro sullo spazio, ma anche sul senso del dipingere, è evidente come è costruito il quadro, pennellata dopo pennellata, così come Gellner lascia vivi e fa diventare significativi e parlanti gli elementi strutturali, costitutivi dell’architettura. I miei quadri non sono né una finestra su un altro mondo, ne un ritaglio di spazio. E’ spazio. Ed il modo migliore di ragionare sulle tre dimensioni è di riportarle a due Nel ritrarre lo spazio, lo scelgo, seleziono una la forma e la posiziono nel quadro producendo una tensione; distillo i colori, modulandoli in modo da avere una lieve ma percettibile modifica, una sfumatura, quel tanto da permettere all’osservatore di accorgersi che un cambiamento è avvenuto, ed entrare così piano piano nel quadro. I miei quadri lavorano in simbiosi con lo spazio, sono influenzati da esso, ma indicano anche una lettura dello spazio in cui si trovano. Lo spazio è percepibile da ciò che lo limita: la parete. La parete mi interessa in quanto limite e forma dello spazio. Ciò che delimita è anche ciò che definisce. La parete bianca, l’angolo, sono elementi universali che ben conosciamo, ma è anche il luogo di destino dell’opera stessa. Potrei trascorre ore a contemplare un soffitto, a vedere come tutto quel bianco, non è mai esattamente bianco, come piano si modifica, quei lunghi piani, d’improvviso tagliati di netto da angoli vivi e la storia ricomincia. Di Gellner, ciò che mi ha attratto è anche il suo uso della luce, la qualità di luce che le sue finestre ed il suo cemento creano. Un senso del riverbero, della pervasione, dell’ambiente, nei suoi luoghi sei accolto e condotto. Entra dentro in modo subliminale. Ciò che mi ha attratto, è anche ciò che mi ha messo in crisi: l’uso pittorico del cemento. Pensavo di ritrarre Gellner, invece lui aveva già visto la mia pittura e mi ha anticipato. (AA 2025).

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L’opera è parte delle mostra Detriti Frammenti Schegge Brecce, Nuovo Spazio di Casso, fino al 31 dicembre 2025.

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L’opera è parte della vita di Progettoborca, dove Alessia ha dato moltissimo, negli anni. Tantissima sensibilità, attenzione, determinazione, capacità, calibrazione. Gli occhi bene aperti e fermi: macchine innescate, dure e morbide, meccanismi della ricognizione e della restituzione, come ami infissi nel cuore dello spirito.

Questi quadri sono stati dipinti in residenza, in un periodo di due settimane, nel 2018, all’interno della Chiesa di Nostra Signora del Cadore a Corte, luce cemento cemento luce, gialli nei grigi frammento paesaggio.
E poi serbati.
E rimuginati, anche se eran pronti.
Ed ora finalmente, una volta chetatisi i telai, li abbiamo mostrati.
Sempre abbracciamo Claudio.

Ottobre 2025, Ripa_Rampa.

Chiara Beretta da mesi diciotto intenta; tira fuori da questa faticosa e lunga sprimentazione nel Laboratorio Luce Fresca al Dormitorio MF, chimica e alchimia della luce trasferita, la sperimentazione dell’affresco (cenniniano) fotosensibile, con l’arriccio steso coi chimici sviluppati, attenzioni alla tossicità pericolosa della calce che reagisce con gli acidi, riequilibrazioni continue, la sabbia dell’arriccio vien dal Boite, le tavelle dalla Nuovaedil di Renato Perri, lode ai partner e ad Antonio Aiello e Idrotermolux sempre, alcuni sanpietrini, quelli piccili son test, stampata una croda della Falesia d’ErtoCasso.

Foto: Teresa De Toni

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU

E sostenuto da tutta la rete dc.

Fabrizio De Bon, “WHAT ARE YOU LOOKING FOR?”, Installazione sonora site-specific, diffusori (quadrifonica), oggetti trovati, illuminazione LED, durata traccia audio 21:17, 2025.

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L’intervento si sviluppa negli ambienti di un vecchio bagno pel ragazzi nella Colonia Eni de Corte di Cadore.
Uno spazio lungo e stretto, costellato dalla batteria degli usci dei servizi, lavabi e superfici ceramiche che ancora riecheggiano la presenza di corpi e gesti passati.
I suoni dell’opera provengono da questo stesso luogo: colpi su lamiere, vibrazioni di metalli, risonanze di ceramiche, attriti di oggetti dimenticati.
Campionati e rielaborati, tornano ora a diffondersi nello spazio che li ha generati, trasformandolo in una cassa di risonanza viva, attraversata da memorie che non si lasciano del tutto andare.
La Colonia si offre per un’ennesimo, fors’ultimo, ascolto autentico, prima che la sua voce muti forma.
Nell’ambiente, alcuni vecchi televisori recuperati sul posto ospitano parole costruite con lettere ritrovate nella struttura, realizzate da altri artisti nel Laboratorio di Stampa, che ha funzionato allegramente per anni, poi se non lo si vuol più lo si chiude, mentre l’Amore non nasconde mai nulla e nemmeno qui.
Frammenti di senso che emergono nel silenzio, come tracce di qualcosa che è stato, e che ancora cerca di restare.
L’opera riflette sul passaggio, sulla perdita e sulla ricerca. È un gesto di restituzione e di congedo: un tentativo di trattenere, nel suono, ciò che il tempo allenta ma non cancella.

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L’opera è stata concepita e realizzata espressamente per Ripa_Rampa, ed è rimasta allestita dal 10 al 19 ottobre 2025.

Foto: Teresa De Toni

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU

E sostenuto da tutta la rete dc.

(14-)16 ottobre 2025

CICCIARAMPA – time for lunch

prometheus_lab in rampa (RIPARIPA di DC)
rigenerazione e patrimonio

somehow it fills my head with ideas- only I don’t exactly know what they are

la rampa è infrastruttura del lancio
nella Colonia rampe muovono flussi di persone e di cose da un capo all’altro senza intoppi, la peristalsi della bestia
ce ne sono diversi chilometri, alcune proiettano all’esterno

lo scorso anno, per rampe abbiam spostato il laboratorio da un capo all’altro,
alla fine della rampa: è la soglia di distacco e proiezione
dove la velocità è massima, l’orientamento determina la gittata

fame come forza propulsiva e siam fuori,
lo siam sempre stati dopotutto, dispositivo dell’indagine nel paesaggio edibile
mica delle tavole già imbandite
la ciccia sta lì, la ciccia che è sostanza mica solo la carne
il fumo, l’idee che riempiono la testa, sappiamo cosa sono
ne abbiamo create tante, di idee e di cicce, molte recepite altre le portiamo anche altrove
proiettati nel bosco, crode, acque, storie, genti, reti trofiche e neurali.

oltre quindi
il tempo di un pranzo*, è tempo di un pranzo, lungo magari, poi si va
in fondo, fuori.

*brevi note tecniche: giovedì 16 dall’ora che volete. Io cucino e raccolgo ingredienti, chiunque può contribuire nella forma che crede, ognuno porta qualcosa. Metto a disposizione tutta la cucina e attrezzi vari per chi volesse cimentarsi. C’è molto da fare col fuoco, bracieri, griglie, in caso portiamo fuori anche la cucina economica che non ho fatto tempo a predisporre la canna. Una festa tra amici, colleghi, abitanti della Colonia chi ha frequentato il lab e chi non c’è ancora mai stato.

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU

E sostenuto da tutta la rete dc

Nell’ambito della seconda personale organizzata da Fondazione Malutta per il progetto Stazionalini – Rediscovering Bagagliera, 2025, Bogdan Koshevoy si fa profeta di un destino oscuro. Utilizzando il medium pittorico per svelare un mondo che ai più è solo dato immaginare, l’artista si propone di segnalare la progressiva degenerazione del rapporto tra uomo e natura. Le prime vittime di questa crisi sono le fate: canonizzate dall’artista come simbolo dell’invisibile, le fanciulline passano il tempo a vagare scioccamente per i prati e le colline, incarnando con leggiadria gli stereotipi della narrativa favolistica.
Ignare dei pericoli intrinsechi all’epoca contemporanea, questa fate così umane inducono lo spettatore a empatizzare, tramite le loro sembianze, anche con le altre caratteristiche che le contraddistinguono – una fra tutte la loro l’innocenza.
Da qui la potenza dell’opera “Fly or Die”, focus principale dell’esposizione, in cui una donna-farfalla agonizza dopo essere stata inchiodata al suolo con un enorme spillo. L’unico indizio sulla possibile identità del carnefice è dato dall’artificialità dell’arma del delitto, prodotta probabilmente in serie in una delle fabbriche già ampiamente descritte dalla poetica di Koshevoy.
Delineando il sentimento di impotenza e orrore generato dalla sottomissione di una creatura così pura la scena esemplifica accuratamente il concetto di innaturalità su cui la mostra si basa, capovolgendo definitivamente l’aura di speranza che il soggetto porta con sé.
Il secondo lavoro in mostra, “Double Rainbow”, può essere letto come antipasto o dessert. Contrapponendo i colori sgargianti dello scenario all’atmosfera incerta che qualifica lo sfondo, l’artista evoca sull’idillio un presagio tetro. Mescolando l’aria stagnante alle tre figure a testa in giù, impegnate a fare la ruota, si ha quasi l’impressione di assistere agli effetti del dodicesimo Arcano
Maggiore dei Tarocchi, l’appeso. Questa carta, emblema del tempo sospeso, impone necessariamente al consultante un cambio di prospettiva.
L’avvertimento di Koshevoy è simile: sappiamo già cosa succede alle fate distratte.
L’opportunità di allestire la mostra nella bagagliera dell’ex Stazione ferroviaria di Borca di Cadore è data dalla collaborazione di Fondazione Malutta con Dolomiti Contemporanee, all’interno di Progettoborca.
Questo rapporto fertile e consolidato tra il collettivo e l’associazione, risultato nell’autunno 2023 in un periodo di residenza per Koshevoy, si manifesta nella mostra “Fly or Die” con la presenza delle cartoline: cristallizzazioni di una corrispondenza ipotetica, queste ultime svelano l’ulteriore produzione dell’artista, omaggiando la ricerca avvenuta in precedenza tra gli spazi di Borca e Casso.

(Beatrice Timillero)

Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU 

E sostenuto da tutta la rete DC

Milano, 1994
Diplomata in Restauro di beni culturali all’Accademia di Belle Arti di Como specializzata in superfici decorate dell’architettura e in Fotografia e linguaggi della comunicazione visiva al cfp Bauer di Milano.
Vive e lavora a Milano.
Mezzi espressivi: fotografia, tecniche di stampa sperimentali

progetti in dc:

Lab Lucefresca, Sinopia #0

Nata a Monza nel 1997.
Diplomata in scenografia presso Accademia di belle Arti di Brera (Milano) e in Linguaggi della Comunicazione Visiva presso la scuola Bauer di Milano.
Mezzo espressivo: fotografia, installazione.

Progetti in dc:

Vuoto Narrativo

Nicola Facchini con OrganoMotore, maggio 2024, Aula Magna della Colonia di Corte. Foto Teresa De Toni

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E dunque i primi interpreti di OrganoMotore, questo Ordigno Crepitante che qualcuno potrebbe voler definire Opera Totale e che invece noi preferiamo chiamare Una Bocca Riversa, sono stati Tallo, Beppe, Stefano, ed ora vengono ad insistere Andrea, Paolo, ovvero per primi gli Insider, artisti o musicisti bituati a lavorare tra analogico ed elettronico, vicini a questo posto e alle sue pratiche e dinamiche e nell’orbita DC, che è ampia, tutti esploratori spaziali naturalmente.

Questi ragazzi l’han visto nascere e crescere, OrganoMotore, ecco perchè sono i primi a sonarlo.
OrganoMotore è dunque un impianto fatto in casa, ad uso esclusivo dei condòmini dell’enclave di Borcia?
No, dato che nessuna Base di DC è casa.
Infatti, chi esplora, non si accasa, semplicemente, è tutto qui, si sta sempre dritti e in piedi come l’antenna, poche poltrone.

Ma questo Oggetto Emittente, che ora è sorto e va a manifestarsi pel mondo, performato da altri artisti musicisti e sperimentatori socini, è stato concepito, progettato, realizzato da Nicola Facchini in questa precisa piega dello Spazio, che è l’Aula Magna della Colonia del Villaggio di Corte di Cadore, che si trova sulla terra, che è un corpo planetario vibrante sospeso al cielo.
E quindi era giusto che i suoi primi suoni e rumori uscissero da qui, dal Generatore che rigeneriamo e proprio dal suo nucleo centrale, ed in questi giorni i test di collaudo ed i Live si sono susseguiti, il 24 maggio 2024 Fabio Tallo ci ha eseguito la suite Acusmatopie 1991 + 3, la sera successiva Giuseppe de Benedittis e Stefano Caimi ci hanno improvvisato una Jam Session, all’alba del 30 maggio Stefano Caimi ci ha performato Metamorfosi delle Crode, un nuovo progetto sorto ora, che troverà spazio anche in mostra a Casso, dal 20 luglio prossimo nella collettiva Le Fogge Delle Rocce, e ancora tra oggi e domenica sarà il turno di Andrea e Paolo, e avanti così.

Questo oggetto è dunque l’opera di un artista (scultura sonora), e poi lo strumento dei musicisti, identità e funzione così scissi?
Strauss and the Electrocnic Future (1964): … la trasmissione elettronica ha già dato origine a un nuovo concetto di responsabilità creativa pluralistica, che vede il sovrapporsi delle funzioni specifiche del compositore, dell’esecutore e persino del fruitore…

Poi OrganoMotore verrà incartato in un gran foglio oleato da forno e salperà da Corte (grazie al nostro partner DB Group), abbiamo detto, su una galera, e menerà la propria coda altrove, l’8 giugno sarà ancora Giuseppe de Benedittis ad accenderlo, con Microclima, al Forte di Sant’Andrea, Concerto per OrganoMotore, e poi via ancora dalla Laguna alla volta di Perugia, dove il suo uso verrà amplificato, a partire da Gelati Meccanici, ma ste cose le scoprirete nei prossimi giorni, e si va.

Le foto di OrganoMotore nell’Antro di Borca sono di Teresa De Toni

Nato a Napoli nel 1989
Ha studiato chitarra jazz e musica elettronica al Conservatorio di Venezia
Vive e lavora tra Madrid e Venezia
Mezzo espressivo: suono

Qui Serpenti e Scale, in PULSAR (2023)
Qui Jam Session su Organo Motore (2024)

Nella mostra Renaissance, a Museion di Bolzano fino all’1 settembre 2024, c’è Confessional, un lavoro di Magdalena Mitterhofer, che si articola attraverso diversi media e performances, e che è stato sviluppato a Corte di Cadore a partire dal 2023, in collaborazione con Dolomiti Contemporanee e Progettoborca.

Del lavoro fa parte un’istallazione derivata da uno dei quattro confessionali lignei realizzati per la Colonia di Corte da Edoardo Gellner.

“La pratica artistica di Magdalena Mitterhofer si colloca all’intersezione di varie forme artistiche, tra il teatro, il film, la performance e il disegno. Spesso ispirati da monumenti storici e culturali, i suoi lavori site-specific esplorano le relazioni umane all’interno delle strutture architettoniche e sociopolitiche nelle quali sono calate” [...]

Confessional Corte:

Starring:
Cassie Augusta Jørgensen • Emilio de Marchi • Thomas Prenn • Katia Fellin • Shade Théret • Tenko Nakajima • Niklas Draeger• Edie Samland

Written and directed by Magdalena Mitterhofer
Cowriter and Producer Richard Gabriel Gersch

Producer Traudi Messini
Co-Producers Fabian Altenried, Sophie Ahrens, Kristof Gerega
Line Producer Martina Kreuzer

Director of Photography Paul Spengemann
Montage Celine Jünger
Sound Design Shadi Farid
Re-Recording Mixer Lorenz Fischer
Costume Design Anna Philippa Müller
Costume Design Assistant Sophia Mitterhofer
Set Design Carlotta Meyer
Assistant Set Designer Marian Mutschlechner
Hair Make-up Hannah Brugger
First AC Felix Rier
Drone Operator Manuel Schneider
Set Sound Shadi Farid
Gaffer Marvin Hesse
Unit Production Manager Luis Morat
DIT Celine Jünger
Graphics Anne Dietzsch
Screenplay Consultant Arnold Trautwein
Colour grading Julien von Schultzendorff
Character Development Noel Emilio de Marchi
Casting Cassandra Han
Production Assistance Schuldenberg Films Marlene Goetz
Accounting Schuldenberg Films Maia Altenried, Isabel Sellin
Accounting Mediaart Eleonora Delladio, WHW.Bozen, Coop Servizi

Music:
Alexander Iezzi • Hanayo • Price

Produceded by:
MEDIAART PRODUCTION COOP
SCHULDENBERG FILMS

Funded by:
IDM FILM COMMISSION SÜDTIROL
MEDIENBOARD BERLIN BRANDENBURG
AMT FÜR FILM UND MEDIEN – AUTONOME PROVINZ BOZEN SÜDTIROL

In collaboration with:
DOLOMITI CONTEMPORANEE
PROGETTOBORCA

Image Manuel Schneider

qui il suo lavoro.

Bogdan Koshevoy, Jade Forest, 2023, olio su tela, 170×120 cm.

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Delle Fabbriche Del Paesaggio, secondo Dolomiti Contemporanee.

Abbiamo iniziato, da ragazzi, a fare due cose buone due, e non abbiamo più smesso.
Così, queste due cose insistite, che non sono affatto scisse in modo manicheo tra una eterea ed una pratica, hanno contribuito a formare la nostra mente, e il nostro spirito, e la nostra bocca.
Le due cose buone sono: andare in montagna, e leggere a fondo i classici della narrativa e delle scienza, insieme ai migliori commenti esplosi, ovvero alla critica.
Natura e Cultura poi: chi ancora le contrappone, è un girino, fa acqua dal cavallo a pandiculazione, ma qua c’è un gran secco e consapevole, nelle cave le sabbie di giada, tra le sottili zampe chiodate dei grandi aironi metallici, certi mostri esapodi dalle carlinghe scintillanti nella rosta del sole.
Attraverso queste due cose buone, la letteratura e l’arrampicata, pensiamo e sogniamo e avvertiamo concetti e percetti: le connettiamo, da sempre, e poi le connettiamo ad altre cose ed enti ancora: tutti quelli che hanno e propagano senso, o alcuni, singolari, portati in penombra, che tendono a perderlo. 
Per questo motivo, conosciamo sia le idee che il territorio, e però questo non ci spinge affatto a preferire Platone a Thoreau, o il contrario, e questo accade perché la letteratura è la tecnica dell’esperienza, per noi, o il suo nucleo critico radiante, che è la stessa cosa, perché ciò che conta è il nucleo radiante, mentre l’esperienza non ha significato, se non trasformi un sasso.
Cemento, ci si è fatto metà dell’Architettura Alpina, è una grigia igienica vena profonda, Bernhard.

Gli inerti migliori di Corte con la ghiaia del Torrente Boite, ci diceva qualche anno fa Enzo De Pra, mentre lo interrogavamo sul passato, sull’azienda, sul suo rapporto con Gellner, sullo stato eccezionale di conservazione dei cementi di Gellner al Villaggio, e così via.
Del Gruppo F.lli De Pra fa parte anche, dal 1966, Calcestruzzi Dolomiti, con quattro impianti per la produzione di inerti e conglomerati in Provincia di Belluno, uno di quali a San Vito di Cadore.
E lo conosciamo bene, questo stabilimento, perché il verde carico granato dei suoi silos ci colpisce da sempre, perché il nostro occhio disteso tira ed è attratto dai fronti ribaditi e dall’ordini spiccati d’aguglia, altro che merli, etcetera.
Quei verdi ed altri pregni estetici cratoni instaurati c’invischiano proprio come una gomma liquida adesiva, ed oltre a quest’ordine di piani e vernici a colpirci son le FABBRICHE, che sentiamo ansimare nel Paesaggio, e del quale esse si nutrono, anche.
Lì, su quell’ansa della SS51 di Alemagna, allettato sul fondo cogliente soffice di ghiaino bianco come d’agh’insilenti del bosco -e sta proprio in mezzo bosco, ai piedi di Antelao e Sorapis- questo stabilimento, che ci ha sempre colpito, scoccandoci il ciervello come una freccia elastica passante lo schermo dell’iride (Fulci), il verde impressivo che ci ricorda i mille liquidi trasformativi della fantescenza che è un falso antidoto, come il benedetto siero di Herbest West, ed ecco che Bogdan l’ha riportato in questo quadro, Quello Stabilimento Tanto Verde Come un’Aliena Stazione Speziale, perché quando Bogdan è entrato a Corte, nella Selva Dolomitica di Corte a Borca, vi ha trovato, come di consueto, come sospesi nell’aria del paesaggio, e prima di cercarli sulla tela, i pezzi e le parti dei corpi smembrati del suo lavoro, che servono al suo lavoro, che fanno il suo lavoro, e li ha coaugulati, come un cantore, come un patologo, come Ed Gein.
Qui quest’’uomo seduto che guarda è una parte dell’uomo, degli uomini, un personaggio fantastico, che forse esce dalla fabbrica in cui lavora, ed il cui volto celato è anche il volto della coscienza dell’artista stesso che cela le proprie rassegnazioni esistenziali, mentre il bosco rado attorno fiammeggia pur preso dal bostrico, mentre le fabbriche trovate qui non son quelle della terra sua d’Ucraina, naturalmente, perché in ogni luogo la sensibilità attiva recettori specifici, se uno non è fesso nei recettori, e qui Bogdan ha preso quel che ha trovato, ovvero la natura e l’uomo e l’architettura di questa terra, e quelle fabbriche che nella sua produzione abbiamo visto tornare spesso, ma lì era l’Ucraina appunto mentre qui è qui, e quindi quando è arrivato a dipingere in residenza in Progettoborca Bogdan cercava delle altre fabbriche, le vuole gli servono nella composizione nella narrazione, e noi gliene abbiamo mostrate alcune che ci interessano perché pulsano o perché non pulsano più ma potrebbero pulsare ancora, noi siamo cacciatori di clamorosi meccanismi inceppati, ed erano queste fabbriche che lui cercava, non quelle altre ancora, e noi gliele abbiamo date, che mica è nostalgico il lavoro di Bogdan, affatto, e lui le ha prese, perchè invece il suo lavoro è onirico-proiettivo, ne parla anche Eleonora Ghedini, di questa trazione onironautica, nel testo della prima personale di Bogdan, che si intitola Unknown Events e si inaugura alla Barvinskyi Gallery di Vienna venerdì 23 febbraio 2024, e ci trovi alcuni dei quadri fatti a Borcia in questa mostra, e questo è uno di quelli, e i fusti e i fogliami risplendono perché quei colori ti si attaccavano all’appiccichi sinaptici del lobo temporale lo scorso ottobre, i colori dell’autunno quassù rimodulati nell’incalmo colle altre parti nel Sogno Lucido, però niente Don Juan qui, e così via.

Calcestruzzi Dolomiti, l’impianto di San Vito di Cadore (Foto Teresa De Toni)

Qui Sui letti di Gellner, olio su tela, 100×120 cm, 2023.

Qui Il tornante della foresta delle chiavi perdute, olio e acrilico su tela, 60×70 cm, 2023
Qui La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 70×100 cm, 2023
Qui Jaws, olio e acrilico su tela, 20×30 cm, 2023.

Stefano Collarin, Silent Partner, sei foto di una serie di serie di 8, 2023

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Qui c’è reinnesto, la ricerca sui Caregheta avviata da Stefano Collarin nel 2023.
Da allora, questa sedia-carega è stata rivisitata da diversi artisti, ricercatori, dal bostrico, da un fusone.
I fusoni li conosciamo bene, come il comportamento degli ungulati, dal tempo di cristopher, che dal 2015 ha disciplinato la nostra interazione e il nostro sentimento e la nostra scienza del cervo, perchè il cervo è qui e anche noi, che conosciamo questo ambiente, perchè ci viviamo, lo studiamo, lo lavoriamo.
Li vediamo da anni, questi cervi, combattere con gli oggetti (fastidio per l’intruso), pettinarsi il velluto, scambiarsi gli odori utlizzando rami (o careghe), grattar palchi, e così via.
Cosa sia un cervo, molta gente non lo sa, non lo conosce, però lo fotografa, e gli da una mela (alle volte, così, uccidendolo).
Cosa sia una sedia, e come sia possibile ragionare in modo non iterativo sul suo design culturale, anche questo è un tema non sciocco, perchè spesso l’oggetto ridisegnato è sciocco e banale, ed in ciò nefasto, quindi occorre un altro approccio, forse in levare?
Non c’è alcun cervo, insomma, nè alcuna carega, in realtà: fino a quando non li poni.

Corte di Cadore, febbraio 2024

Nato a Erfurt (De) nel 1996.
Ha frequentato l’Università Bauhaus di Weimar e lavora come compositore e artista del suono a Berlino.
Mezzo espressivo: istallazione.

Qui il suo lavoro.

Nata a Arzignano (VI) nel 1997.
Studia pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia.
Vive e lavora a Venezia.
Mezzo espressivo: pittura, disegno.

Qui il suo lavoro.

Nata a Feltre nel 1998.
Diplomata in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia.
Vive e lavora tra Roma e Belluno.
Mezzo espressivo: pittura e istallazione.

Qui il suo lavoro.

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Ma quanti i ritratti (dei) timidi sensibili, mica timidi nell’esecuzione pittorica, no certo, ma nel dirsi rotti, onestamente indifesi, che forma colore è un godimento – nella chiavica.
Si tratta invece di una collezione, una rassegna di fatti accaduti percepiti, inutile indossar tanti occhiali, vibrano a ventaglio come uno solo che trema, nessuna molteplicità è possibile, Kobo Abe, sotto alle lenti è contenuto il cristallo fino, di rocca, nell’occhio, come nel fondo della bottiglia.

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Quassotto, il lavoro installato nella MOSTRADIMEZZO, Openstudio Progettoborca DCPULSAR, ottobre 2023.
Foto: Teresa De Toni

Ogni anno e anche con #dcpulsar, i padiglioni dormitorio sopra a quel che è stato il Laboratorio di Casabella e poi lo Studio Casabellissimo di Agnese Galiotto e altre cose ancora prima e dopo nei tempi pulsanti fluenti, ogni anno su questi tre livelli si allestisce una mostraspontanea? una mostra che raggruppa diverse delle cose fatte durante gli ultimi mesi l’ultimo anno dai pittori d’Aula Magna e da altri che vengono e tornano a fare, e che vengono qui raccolte e ad alcuni e molti per la prima volta mostrate, e sta mostra si spande, quest’anno ha preso il piano d’accesso a terra, ci si arriva dal retro dell’Aula Magna, o dal lungo corridoio interno, quel piano con la sala spettacolosa d’accesso col tavolo autocostruito di Casabella e le travicemento modulate, preso questo spazio in questi giorni mobili come studio finale per la scultura di Valeria Pin, scultura che poi è rimasta lì, attualmente riversa, accanto ad una serie di disegni di Anna Marzuttini, Giulia Maria Belli, Sebastiano Pallavisini, Francesca Pieropan (questi disegni li pubblichiamo domani, e domani anche i lavori di Nanni De Biasi, che in Pulsar hanno occupato l’ultimo livello, e domani o posdomani anche la piccola mostra di Alessia Armeni sul paesaggiobostrico, tutte cose qui ai dormitori). Ora invece qui, nel racconto dell’Openstudio, mettiamo le immagini relative alla MOSTRA DI MEZZO, con questa aggregazione di alcuni freschi corpi di Borcia, e avanti. In questa MOSTRA DI MEZZO, tra i crepuscoli nel paesaggio, ci sono lavori di Francesca Pieropan, Nicola Facchini, Alan Silvestri, Marco Mastropieri, Ariele Bacchetti, Valeria Pin, Maria Giovanna Zanella, Luka Sirok.

Marco Mastropieri, Il tornante della foresta delle chiavi perdute, olio e acrilico su tela, 60×70 cm, opera realizzata in Residenza per Openstudio DCPULSAR, ottobre 2023.

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La prima impressione di Borca e del Villaggio ENI è stata la seguente: Dove sono le chiavi? Un pensiero tanto ossessivo da modificare la percezione del paesaggio.

Foto: Teresa De Toni

Francesca Pieropan, La mia prima pelle, colori e pastelli a olio, carboncino (ricavato da Fabio Tallo) su pella da conceria, misura variabili, opera realizzata in Residenza per Openstudio DCPULSAR, ottobre 2023.

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… Francesca ha realizzato questo lavoro su un lembo di pelle d’una conceria scledense; insieme ad alcuni disegni, che son ritratti di artisti e gente di DC, realizzati in Aula Magna durante la preparazione di #dcpulsar.

“Ho raccolto fotografie durante i primi giorni a Borca e ho scelto di ritrarre Valeria al lavoro sulla sua scultura e Tallo nel suo studio, unendo in un’unica immagine due momenti temporali diversi.”
“Sono fondamentali gli accostamenti di colore che applico mentre rielaboro l’immagine a partire dal riferimento fotografico statico. Stendo il colore sulla superficie tramite segni portati attraverso una serie di materiali differenti, i quali conducono a rese estetiche sempre diverse, in relazione al supporto che uso”.

Francesca ha dipinto anche gli abiti della Madre di Valeria  (la scultura in legno, poliuretano, carta e argilla, che forse si intitola Mia mamma è alta 1.77) …

Foto: Teresa De Toni

Alan Silvestri, Sui letti di Gellner, olio su tela, 100×120 cm, opera prodotta in Residenza per Openstudio DCPulsar, ottobre 2023.

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I lavori di Alan Silvestri e di Marco Mastropieri sono stati realizzati ad agosto 2022, quando i due artisti, dopo avere ultimato il proprio intervento sulla Tavola delle Foreste e Delle Acque al Nuovo Spazio di Casso al Vajont, sono rimasti per due settimane a dipingere a Corte, individuando e trattando una serie di stimoli e temi recepiti in loco.

Alan Silvestri lavora, da più di un anno, ad una serie di opere pittoriche incentrate sulla sospensione. La sospensione è un metodo per centrare l’oggetto in uno spazio: analiticamente o poeticamente?
Già nella tavola di Casso, un uomo vola, in sospensione nel quadro, controllando il paesaggio e la geografia del territorio ed il cantiere che lo rappresenta: che è il paesaggio-territorio stesso.
Qui invece, Alan è partito dal Villaggio Eni, da Gellner, e dal proprio stato in Residenza.
Pochi giorni a dipingere a Borca, sacco a pelo in casa, una sorta di bivacco sempre, è questo progetto mobile, degli spazi incerti, essi stessi sospesi, tra un passato gravoso, e un futuro invisibile o inimmaginabile ai più.
Il proprio sacco a pelo, è dunque rappresentato, a mezz’aria, come lo sono le architetture di Gellner a Corte, e la stessa villetta in cui Alan ha dormito, pensando, appendendo il proprio pensiero alla notte. Tutto il Villaggio di Corte, si sa, è sospeso: le campate aeree lo sollevano dal terreno.
Il quadro Sui letti di Gellner”, per l’Openstudio #dcpulsar, è stato allestito in mostra in uno dei dormitori della Colonia. Ai suoi piedi la struttura ispiratirce, con la sua geometria ortogonale di cinghie in pelle, ripresa nell’opera.

Foto: Nicola Facchini, Teresa De Toni

Il disegno quissopra invece rappresenta la stuba della Villa 171, quella in cui Alan ha vissuto in quei giorni, in Residenza: la stuba è un’opera di design; la stuba garantisce il calore nel bivacco sospeso della Villa; nel quaderno di Alan, insieme a questo, alcuni altri appunti visivi.