Lavoravo a delle foto nei piani bassi dell’ufficio, guardando fuori dalla finestra vedevo l’ombra degli alberi muoversi sulla parete esterna che dà sul Pelmo. Riflettevo sul tempo trascorso nei cantieri, lavorando all’aperto sulle facciate esterne degli edifici. In quel momento ho pensato che sarebbe stato interessante scoprire se, analogamente a ciò che avviene con i pigmenti, anche con l’emulsione fotosensibile fosse possibile creare un’opera potenzialmente eterna come un affresco.
Senza sapere bene le mie intenzioni, quell’estate durante le giornate di IGP a Termine di Cadore, insieme a Lorenzo Barbasetti e alla sua squadra sono andata a raccogliere la sabbia dal letto del Boite. Sabbia media in prossimità della riva e sabbia fine dall’altro lato del fiume, dove il ciottolo è quasi fanghiglia. La sabbia, mescolata al resto degli ingredienti, ha composto Sinopia #0.

La colonia è un ecosistema quasi autosufficiente; l’ingranditore, i chimici, un paio di lampade rosse e poco altro è servito ad allestire il Lab Luce Fresca in una camera del personale di servizio dei dormitori dell’ex colonia. Per trovare il resto mi son spinta un po’ più in là. Feltre, il grassello, Peaio, tavelle di mattone gentilmente donatemi e sezionate con l’aiuto di Mattia Menardi che in quel periodo, con alcuni colleghi, studiava la carbonatazione dei cementi di Gellner. La sabbia raccolta andava setacciata e fatta ben asciugare, pena la qualità dell’intonaco. Quest’ultimo, steso in tre strati, andava incontro a problemi di tiratura e così anche l’emulsione stesa in altrettanti strati. Impossibile lavorare d’inverno, non per freddo altresì per umidità (e pericoloso, la calce viva a contatto con gli acidi libera fumi di cloro). Per i primi mesi una pellicola nera screpolata, sbiancata o annerita a seconda delle condizioni, una craquelure tossica che rivelava ben poco della croda di casso che stavo impressionando, era ciò che risultava dal lavoro in camera oscura. Stampare la foto di una croda equivale a coprire di pietra la pietra stessa: un’operazione tautologica nella quale il negativo diventa sinopia, la luce diventa il colore e  l’artista rinuncia al controllo totale, lasciando che il gesto, la fisica e la chimica concorrano all’esito del lavoro*. Il rapporto con la montagna non è per me così diverso, un ambiente che definisce tempi, limiti e condizioni con le quali è necessario misurarsi.
L’estate successiva, anch’essa umida e uggiosa, si è portata dietro le stesse difficoltà.
Dunque le tavelle preparate con quest’imprimitura fragile e specialissima devono necessariamente asciugare altrove, perché accada questa magia calcolata, affinchè, cioè, i viscosi liquidi fotosensibili si fondano con la matrice rocciosa, permeando e rivelando l’immagine sottotraccia.
Due spettacoli consecutivi in un divenire lento e veloce: l’amalgama di calce e sabbia acquista consistenza mentre l’emulsione la ricopre densa e precaria. La luce inquieta mette tutto in movimento e fossilizza i sali d’argento in superficie rendendo l’immagine scalfibile solo quanto la pietra. Il lavoro non sublima la montagna: la accetta come sistema di vincoli.
…
Qualcosa di spirituale c’è sempre nelle reazioni chimiche.

*“Du mode d’existence des objets techniques”
L’idea che l’oggetto (qui l’opera) non sia una forma imposta, ma il risultato di un equilibrio tra forze, materiali, ambiente.

Chiara Beretta

Foto: Chiara Beretta, Teresa De Toni, Ivana Sfredda, Lev Fazio.

Il Villaggio è paesaggio: dalla strada, dalla SS51, sono visibili soltanto due elementi, la guglia di Nostra Signora del Cadore e la cuspide dell’Aula Magna.

L’architettura diventa montagna, il pensiero diventa paesaggio.

L’incarico per il progetto gli viene proposto nel ’54, poco prima dei Giochi Olimpici di Cortina ’56, per i quali Gellner aveva già progettato il Motel Agip a Cortina d’Ampezzo, proprio dove i giochi invernali torneranno. Gellner lo aveva immaginato, lo aveva già pensato, lo aveva disegnato: esistono progetti di ampliamento del Villaggio ENI, pensati per accogliere la logistica di un secondo evento così impattante su questo territorio, così fuoriscala rispetto alla capacità di comprenderlo, così sprecato rispetto alla legacy e ai bisogni di questi territori.
Gellner ha lasciato una sua legacy: la Colonia, il Villaggio, i suoi progetti più grandi. Come immaginare l’evoluzione organica di questi oggetti?

Sull’immaginare verte quindi la ricerca fotografica di Carlotta: sul tentativo di rappresentare qualcosa di potenziale, di coerentemente ipotetico, riferendosi però alle forme e agli spazi già presenti a Corte di Cadore. Carlotta non ha mai visto i progetti originali, ma in un anno di lavoro ha immaginato un cantiere nascosto. In queste immagini si ritrovano lo studio delle forme, l’analisi dall’interno – dalle viscere della Colonia – del programma colore e dell’urbanistica su diverse scale.
Poi il rapporto con il paesaggio: le aperture, gli spazi, le angolazioni e le inquadrature perfettamente calibrate. Il rapporto con la montagna, con il contesto geologico, con lo spazio, il vuoto, il potenziale, l’immaginifico.

Questo progetto studia il design e l’architettura attraverso la fotografia, con una pulizia coerente con il lavoro di Gellner, ma insiste anche su ciò che non c’è, creando nuove immagini a partire da rudimentali scannerizzazioni 3D o da blocchi di argilla raccolti a Borca e a Cancia, schizzi e appunti.

Carlotta cattura l’ordine, il razionalismo di Gellner e lo inserisce nello spazio di un esercizio concettuale.

Il progetto è finanziato dall’Unione Europea – NextGenerationEU.

e sostenuto da tutta la rete dc

La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 200×500 cm, ottobre 2025, Aula Magna, Corte di Cadore (foto Teresa De Toni)

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Il ciclo de La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, 2023-2025

Nel 2023, Mastropieri ha realizzato la prima opera del ciclo, a cui ne son seguite altre quattro, sempre su medi formati, che hanno incluso studi e visioni e proiezioni e focalizzazioni su alcuni degli elementi primari che determinano il paesaggio di Borca come lo si esperisce percepisce da Corte di Cadore.
Il Bus del Diaol, gran caverna in parete della Sud dell’Antelao; Il Trono di Dio, Caregon del Padreterno, il Pelmo Poderoso, stabile in potenza di massa paesaggio, mutevolissimo della luce.
ad ottobre 2025, l’artista ha chiuso il ciclo, realizzando l’opera finale, la più grande, 200×500 cm, nella foto quissopra.

Quest’opera è la fine di un ciclo di lavori che riscrivono la nascita della vallata di Borca rimodellando il paesaggio attraverso il mezzo pittorico.
L’immagine ha preso forma grazie alla ricezione di alcune informazioni riguardanti Borca e il Villaggio Eni. In particolare, l’opera architettonica di Edoardo Gellner non riguarda soltanto gli apparati architettonici del Villaggio, ma anche il bosco/foresta.
Prima che venisse costruito il villaggio, l’Antelao, il re, era una pietraia, il covo di vipere.
Durante la costruzione del villaggio, lungo le strade sono state disposte delle piccole zolle di terra, che col tempo sono diventate agenti che hanno terraformato l’area dando vita al bosco/foresta che oggi circonda la colonia, le villette, la chiesa, e più in generale l’intera area. Una volta acquisita, quest’informazione ha contribuito al nascere dell’idea di produrre un’immagine che ricostruisse in chiave fantastica il paesaggio della vallata di Borca, una terraformazione pittorica, fantascientifica, cristiana-folkloristica.
Un lavoro di questo tipo avrebbe richiesto una strutturazione solida di tutti gli elementi rappresentati, in modo che potessero comunicare e condividere lo spazio in modo armonioso ed ecosistematico. In primo luogo, è stato importante scegliere quelli che sarebbero stati gli agenti terraformativi del paesaggio, da associare al Pelmo e all’Antelao, le montagne che circondano la vallata.
Il primo elemento vitale scelto per la terraformazione di Borca è stata l’Acqua, da associare al Pelmo, il trono di Dio. Si dice che all’interno del Pelmo c’è un oceano, una rete di canali idrici formati nel corso dei millenni dall’erosione dell’acqua.
Il Pelmo, dunque, si trasforma in una massa di acqua e ghiaccio che scende inondando ogni cosa, e che si congiunge al centro dell’immagine con il Fuoco, l’elemento associato all’Antelao, che arde su tutta la superficie della montagna.
Data la conformazione della vallata, al sorgere del sole il re è in ombra mentre il trono di Dio è illuminato. Al tramonto, l’Antelao si “accende”, mentre il Pelmo si oscura.
 Fuoco e acqua, ai rispettivi antipodi, convergono al centro generando vapore, che si leva alto nel cielo e discende nuovamente sotto forma di pioggia, avviando il ciclo atmosferico che terraforma l’ambiente.
Deciso tutto questo, sono occorsi due anni di studi e lavori per curare ogni aspetto dell’immagine che avrebbe dato vita alla Terraformazione di Borca.

L’opera che chiude il ciclo della Terraformazione (200×500 cm, 2025)

La prima decisione presa per l’opera conclusiva è stata la scelta del formato. La misura di 2×5 metri ha favorito uno sviluppo del paesaggio più ampio e disteso, dando modo agli elementi cardine come il Pelmo e l’Antelao di avere la giusta rilevanza compositiva essendo però in comunicazione e armonia con gli altri elementi senza che uno predomini sull’altro. Un altro aspetto da tenere in considerazione è la scelta di adottare un impianto visivo “iconografico”, con le cime viste frontalmente, di modo da poter riscrivere la conformazione della vallata in modo libero e funzionale, dando vita contemporaneamente ad un luogo al di fuori del tempo. Impostata la composizione, l’intera raffigurazione si è stratificata orizzontalmente ad iniziare dal cielo, che dal grigiore dei cumulonembi formati dal Pelmo acquatico volge al buio, in blu profondo dove le nubi vengono illuminate dal fuoco dell’Antelao.
Fatto questo, la parte centrale dell’opera è stata “fissata” come perno di respiro, così da avere una porzione di immagine più rilassata che alleggerisse e regolasse la pienezza e la forza canalizzante degli altri protagonisti dell’immagine. A ciò, ha seguito la lavorazione lenta, sistematica e ossessiva sia del Pelmo acquatico che dell’Antelao di fuoco, modellando attraverso il segno la forma delle campiture ampie delle superfici rocciose, dell’acqua che scorre e del fuoco che danza tramite le sue lingue. Fatto questo, l’immagine ha raggiunto la sua compiutezza attraverso una coltre di nebbia, frutto dell’incontro tra acqua e fuoco, e vapore
che si dipana lungo tutta la superficie di terra e mette in comunicazione tutti le parti del dipinto. Infine, ha seguito un meticoloso raffinamento di tutti gli elementi curati in ogni dettaglio.
 Il risultato di questo lavoro (due mesi di tempo e 7kg di peso) è un paesaggio ampio e fuori dal tempo, che poggia su di una struttura in cui tanti elementi figurativi e pittorici contrastanti convivono proporzionalmente all’interno dello stesso luogo.

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Le opere, nell’ordine di produzione:

1. La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 70×100 cm, 2023
2. Bus del Diau, olio su tela, 60×80 cm, 2023
3. Il trono di Dio, olio su tela, 60×80 cm, 2023
4. Libero Spazio di Terraformazione, olio su tela, 40×80 cm, 2024
5. Ultimo preludio, olio su tela, 80×200 cm, 2025
6. La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 200×500 cm, 2025

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Alcune delle opere, fotografate da Teresa De Toni a ottobre 2025, durante il non-Openstudio Ripa_Rampa, nell’Aula Magna della Colonia dell’ex Villaggio Eni, dove sono state prodotte tra il 2023 e il 2025

Alessia Armeni, Porzione di Gellner, -01, -02, -03, -04, olio su tela, cm 47×42, 2018, rivisto e tagliato nel 2025

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Cosa ho fatto quando ho ritratto gli spazi di Gellner. 
La mia è una riflessione sullo spazio, in continuità con esso, i miei quadri fanno parte dello spazio in cui vivono, risentono dello spazio che li circonda e suggeriscono una lettura dello spazio in cui si trovano. In modo che l’architettura entri nel quadro ma anche il quadro pervada l’architettura E’ un lavoro sullo spazio, ma anche sul senso del dipingere, è evidente come è costruito il quadro, pennellata dopo pennellata, così come Gellner lascia vivi e fa diventare significativi e parlanti gli elementi strutturali, costitutivi dell’architettura. I miei quadri non sono né una finestra su un altro mondo, ne un ritaglio di spazio. E’ spazio. Ed il modo migliore di ragionare sulle tre dimensioni è di riportarle a due Nel ritrarre lo spazio, lo scelgo, seleziono una la forma e la posiziono nel quadro producendo una tensione; distillo i colori, modulandoli in modo da avere una lieve ma percettibile modifica, una sfumatura, quel tanto da permettere all’osservatore di accorgersi che un cambiamento è avvenuto, ed entrare così piano piano nel quadro. I miei quadri lavorano in simbiosi con lo spazio, sono influenzati da esso, ma indicano anche una lettura dello spazio in cui si trovano. Lo spazio è percepibile da ciò che lo limita: la parete. La parete mi interessa in quanto limite e forma dello spazio. Ciò che delimita è anche ciò che definisce. La parete bianca, l’angolo, sono elementi universali che ben conosciamo, ma è anche il luogo di destino dell’opera stessa. Potrei trascorre ore a contemplare un soffitto, a vedere come tutto quel bianco, non è mai esattamente bianco, come piano si modifica, quei lunghi piani, d’improvviso tagliati di netto da angoli vivi e la storia ricomincia. Di Gellner, ciò che mi ha attratto è anche il suo uso della luce, la qualità di luce che le sue finestre ed il suo cemento creano. Un senso del riverbero, della pervasione, dell’ambiente, nei suoi luoghi sei accolto e condotto. Entra dentro in modo subliminale. Ciò che mi ha attratto, è anche ciò che mi ha messo in crisi: l’uso pittorico del cemento. Pensavo di ritrarre Gellner, invece lui aveva già visto la mia pittura e mi ha anticipato. (AA 2025).

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L’opera è parte delle mostra Detriti Frammenti Schegge Brecce, Nuovo Spazio di Casso, fino al 31 dicembre 2025.

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L’opera è parte della vita di Progettoborca, dove Alessia ha dato moltissimo, negli anni. Tantissima sensibilità, attenzione, determinazione, capacità, calibrazione. Gli occhi bene aperti e fermi: macchine innescate, dure e morbide, meccanismi della ricognizione e della restituzione, come ami infissi nel cuore dello spirito.

Questi quadri sono stati dipinti in residenza, in un periodo di due settimane, nel 2018, all’interno della Chiesa di Nostra Signora del Cadore a Corte, luce cemento cemento luce, gialli nei grigi frammento paesaggio.
E poi serbati.
E rimuginati, anche se eran pronti.
Ed ora finalmente, una volta chetatisi i telai, li abbiamo mostrati.
Sempre abbracciamo Claudio.

Ottobre 2025, Ripa_Rampa.

Chiara Beretta da mesi diciotto intenta; tira fuori da questa faticosa e lunga sprimentazione nel Laboratorio Luce Fresca al Dormitorio MF, chimica e alchimia della luce trasferita, la sperimentazione dell’affresco (cenniniano) fotosensibile, con l’arriccio steso coi chimici sviluppati, attenzioni alla tossicità pericolosa della calce che reagisce con gli acidi, riequilibrazioni continue, la sabbia dell’arriccio vien dal Boite, le tavelle dalla Nuovaedil di Renato Perri, lode ai partner e ad Antonio Aiello e Idrotermolux sempre, alcuni sanpietrini, quelli piccili son test, stampata una croda della Falesia d’ErtoCasso.

Foto: Teresa De Toni

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU

E sostenuto da tutta la rete dc.

Fabrizio De Bon, “WHAT ARE YOU LOOKING FOR?”, Installazione sonora site-specific, diffusori (quadrifonica), oggetti trovati, illuminazione LED, durata traccia audio 21:17, 2025.

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L’intervento si sviluppa negli ambienti di un vecchio bagno pel ragazzi nella Colonia Eni de Corte di Cadore.
Uno spazio lungo e stretto, costellato dalla batteria degli usci dei servizi, lavabi e superfici ceramiche che ancora riecheggiano la presenza di corpi e gesti passati.
I suoni dell’opera provengono da questo stesso luogo: colpi su lamiere, vibrazioni di metalli, risonanze di ceramiche, attriti di oggetti dimenticati.
Campionati e rielaborati, tornano ora a diffondersi nello spazio che li ha generati, trasformandolo in una cassa di risonanza viva, attraversata da memorie che non si lasciano del tutto andare.
La Colonia si offre per un’ennesimo, fors’ultimo, ascolto autentico, prima che la sua voce muti forma.
Nell’ambiente, alcuni vecchi televisori recuperati sul posto ospitano parole costruite con lettere ritrovate nella struttura, realizzate da altri artisti nel Laboratorio di Stampa, che ha funzionato allegramente per anni, poi se non lo si vuol più lo si chiude, mentre l’Amore non nasconde mai nulla e nemmeno qui.
Frammenti di senso che emergono nel silenzio, come tracce di qualcosa che è stato, e che ancora cerca di restare.
L’opera riflette sul passaggio, sulla perdita e sulla ricerca. È un gesto di restituzione e di congedo: un tentativo di trattenere, nel suono, ciò che il tempo allenta ma non cancella.

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L’opera è stata concepita e realizzata espressamente per Ripa_Rampa, ed è rimasta allestita dal 10 al 19 ottobre 2025.

Foto: Teresa De Toni

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU

E sostenuto da tutta la rete dc.

Nell’ambito della seconda personale organizzata da Fondazione Malutta per il progetto Stazionalini – Rediscovering Bagagliera, 2025, Bogdan Koshevoy si fa profeta di un destino oscuro. Utilizzando il medium pittorico per svelare un mondo che ai più è solo dato immaginare, l’artista si propone di segnalare la progressiva degenerazione del rapporto tra uomo e natura. Le prime vittime di questa crisi sono le fate: canonizzate dall’artista come simbolo dell’invisibile, le fanciulline passano il tempo a vagare scioccamente per i prati e le colline, incarnando con leggiadria gli stereotipi della narrativa favolistica.
Ignare dei pericoli intrinsechi all’epoca contemporanea, questa fate così umane inducono lo spettatore a empatizzare, tramite le loro sembianze, anche con le altre caratteristiche che le contraddistinguono – una fra tutte la loro l’innocenza.
Da qui la potenza dell’opera “Fly or Die”, focus principale dell’esposizione, in cui una donna-farfalla agonizza dopo essere stata inchiodata al suolo con un enorme spillo. L’unico indizio sulla possibile identità del carnefice è dato dall’artificialità dell’arma del delitto, prodotta probabilmente in serie in una delle fabbriche già ampiamente descritte dalla poetica di Koshevoy.
Delineando il sentimento di impotenza e orrore generato dalla sottomissione di una creatura così pura la scena esemplifica accuratamente il concetto di innaturalità su cui la mostra si basa, capovolgendo definitivamente l’aura di speranza che il soggetto porta con sé.
Il secondo lavoro in mostra, “Double Rainbow”, può essere letto come antipasto o dessert. Contrapponendo i colori sgargianti dello scenario all’atmosfera incerta che qualifica lo sfondo, l’artista evoca sull’idillio un presagio tetro. Mescolando l’aria stagnante alle tre figure a testa in giù, impegnate a fare la ruota, si ha quasi l’impressione di assistere agli effetti del dodicesimo Arcano
Maggiore dei Tarocchi, l’appeso. Questa carta, emblema del tempo sospeso, impone necessariamente al consultante un cambio di prospettiva.
L’avvertimento di Koshevoy è simile: sappiamo già cosa succede alle fate distratte.
L’opportunità di allestire la mostra nella bagagliera dell’ex Stazione ferroviaria di Borca di Cadore è data dalla collaborazione di Fondazione Malutta con Dolomiti Contemporanee, all’interno di Progettoborca.
Questo rapporto fertile e consolidato tra il collettivo e l’associazione, risultato nell’autunno 2023 in un periodo di residenza per Koshevoy, si manifesta nella mostra “Fly or Die” con la presenza delle cartoline: cristallizzazioni di una corrispondenza ipotetica, queste ultime svelano l’ulteriore produzione dell’artista, omaggiando la ricerca avvenuta in precedenza tra gli spazi di Borca e Casso.

(Beatrice Timillero)

Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU 

E sostenuto da tutta la rete DC

Nicola Facchini con OrganoMotore, maggio 2024, Aula Magna della Colonia di Corte. Foto Teresa De Toni

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E dunque i primi interpreti di OrganoMotore, questo Ordigno Crepitante che qualcuno potrebbe voler definire Opera Totale e che invece noi preferiamo chiamare Una Bocca Riversa, sono stati Tallo, Beppe, Stefano, ed ora vengono ad insistere Andrea, Paolo, ovvero per primi gli Insider, artisti o musicisti bituati a lavorare tra analogico ed elettronico, vicini a questo posto e alle sue pratiche e dinamiche e nell’orbita DC, che è ampia, tutti esploratori spaziali naturalmente.

Questi ragazzi l’han visto nascere e crescere, OrganoMotore, ecco perchè sono i primi a sonarlo.
OrganoMotore è dunque un impianto fatto in casa, ad uso esclusivo dei condòmini dell’enclave di Borcia?
No, dato che nessuna Base di DC è casa.
Infatti, chi esplora, non si accasa, semplicemente, è tutto qui, si sta sempre dritti e in piedi come l’antenna, poche poltrone.

Ma questo Oggetto Emittente, che ora è sorto e va a manifestarsi pel mondo, performato da altri artisti musicisti e sperimentatori socini, è stato concepito, progettato, realizzato da Nicola Facchini in questa precisa piega dello Spazio, che è l’Aula Magna della Colonia del Villaggio di Corte di Cadore, che si trova sulla terra, che è un corpo planetario vibrante sospeso al cielo.
E quindi era giusto che i suoi primi suoni e rumori uscissero da qui, dal Generatore che rigeneriamo e proprio dal suo nucleo centrale, ed in questi giorni i test di collaudo ed i Live si sono susseguiti, il 24 maggio 2024 Fabio Tallo ci ha eseguito la suite Acusmatopie 1991 + 3, la sera successiva Giuseppe de Benedittis e Stefano Caimi ci hanno improvvisato una Jam Session, all’alba del 30 maggio Stefano Caimi ci ha performato Metamorfosi delle Crode, un nuovo progetto sorto ora, che troverà spazio anche in mostra a Casso, dal 20 luglio prossimo nella collettiva Le Fogge Delle Rocce, e ancora tra oggi e domenica sarà il turno di Andrea e Paolo, e avanti così.

Questo oggetto è dunque l’opera di un artista (scultura sonora), e poi lo strumento dei musicisti, identità e funzione così scissi?
Strauss and the Electrocnic Future (1964): … la trasmissione elettronica ha già dato origine a un nuovo concetto di responsabilità creativa pluralistica, che vede il sovrapporsi delle funzioni specifiche del compositore, dell’esecutore e persino del fruitore…

Poi OrganoMotore verrà incartato in un gran foglio oleato da forno e salperà da Corte (grazie al nostro partner DB Group), abbiamo detto, su una galera, e menerà la propria coda altrove, l’8 giugno sarà ancora Giuseppe de Benedittis ad accenderlo, con Microclima, al Forte di Sant’Andrea, Concerto per OrganoMotore, e poi via ancora dalla Laguna alla volta di Perugia, dove il suo uso verrà amplificato, a partire da Gelati Meccanici, ma ste cose le scoprirete nei prossimi giorni, e si va.

Le foto di OrganoMotore nell’Antro di Borca sono di Teresa De Toni

Nella mostra Renaissance, a Museion di Bolzano fino all’1 settembre 2024, c’è Confessional, un lavoro di Magdalena Mitterhofer, che si articola attraverso diversi media e performances, e che è stato sviluppato a Corte di Cadore a partire dal 2023, in collaborazione con Dolomiti Contemporanee e Progettoborca.

Del lavoro fa parte un’istallazione derivata da uno dei quattro confessionali lignei realizzati per la Colonia di Corte da Edoardo Gellner.

“La pratica artistica di Magdalena Mitterhofer si colloca all’intersezione di varie forme artistiche, tra il teatro, il film, la performance e il disegno. Spesso ispirati da monumenti storici e culturali, i suoi lavori site-specific esplorano le relazioni umane all’interno delle strutture architettoniche e sociopolitiche nelle quali sono calate” [...]

Confessional Corte:

Starring:
Cassie Augusta Jørgensen • Emilio de Marchi • Thomas Prenn • Katia Fellin • Shade Théret • Tenko Nakajima • Niklas Draeger• Edie Samland

Written and directed by Magdalena Mitterhofer
Cowriter and Producer Richard Gabriel Gersch

Producer Traudi Messini
Co-Producers Fabian Altenried, Sophie Ahrens, Kristof Gerega
Line Producer Martina Kreuzer

Director of Photography Paul Spengemann
Montage Celine Jünger
Sound Design Shadi Farid
Re-Recording Mixer Lorenz Fischer
Costume Design Anna Philippa Müller
Costume Design Assistant Sophia Mitterhofer
Set Design Carlotta Meyer
Assistant Set Designer Marian Mutschlechner
Hair Make-up Hannah Brugger
First AC Felix Rier
Drone Operator Manuel Schneider
Set Sound Shadi Farid
Gaffer Marvin Hesse
Unit Production Manager Luis Morat
DIT Celine Jünger
Graphics Anne Dietzsch
Screenplay Consultant Arnold Trautwein
Colour grading Julien von Schultzendorff
Character Development Noel Emilio de Marchi
Casting Cassandra Han
Production Assistance Schuldenberg Films Marlene Goetz
Accounting Schuldenberg Films Maia Altenried, Isabel Sellin
Accounting Mediaart Eleonora Delladio, WHW.Bozen, Coop Servizi

Music:
Alexander Iezzi • Hanayo • Price

Produceded by:
MEDIAART PRODUCTION COOP
SCHULDENBERG FILMS

Funded by:
IDM FILM COMMISSION SÜDTIROL
MEDIENBOARD BERLIN BRANDENBURG
AMT FÜR FILM UND MEDIEN – AUTONOME PROVINZ BOZEN SÜDTIROL

In collaboration with:
DOLOMITI CONTEMPORANEE
PROGETTOBORCA

Image Manuel Schneider

Bogdan Koshevoy, Jade Forest, 2023, olio su tela, 170×120 cm.

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Delle Fabbriche Del Paesaggio, secondo Dolomiti Contemporanee.

Abbiamo iniziato, da ragazzi, a fare due cose buone due, e non abbiamo più smesso.
Così, queste due cose insistite, che non sono affatto scisse in modo manicheo tra una eterea ed una pratica, hanno contribuito a formare la nostra mente, e il nostro spirito, e la nostra bocca.
Le due cose buone sono: andare in montagna, e leggere a fondo i classici della narrativa e delle scienza, insieme ai migliori commenti esplosi, ovvero alla critica.
Natura e Cultura poi: chi ancora le contrappone, è un girino, fa acqua dal cavallo a pandiculazione, ma qua c’è un gran secco e consapevole, nelle cave le sabbie di giada, tra le sottili zampe chiodate dei grandi aironi metallici, certi mostri esapodi dalle carlinghe scintillanti nella rosta del sole.
Attraverso queste due cose buone, la letteratura e l’arrampicata, pensiamo e sogniamo e avvertiamo concetti e percetti: le connettiamo, da sempre, e poi le connettiamo ad altre cose ed enti ancora: tutti quelli che hanno e propagano senso, o alcuni, singolari, portati in penombra, che tendono a perderlo. 
Per questo motivo, conosciamo sia le idee che il territorio, e però questo non ci spinge affatto a preferire Platone a Thoreau, o il contrario, e questo accade perché la letteratura è la tecnica dell’esperienza, per noi, o il suo nucleo critico radiante, che è la stessa cosa, perché ciò che conta è il nucleo radiante, mentre l’esperienza non ha significato, se non trasformi un sasso.
Cemento, ci si è fatto metà dell’Architettura Alpina, è una grigia igienica vena profonda, Bernhard.

Gli inerti migliori di Corte con la ghiaia del Torrente Boite, ci diceva qualche anno fa Enzo De Pra, mentre lo interrogavamo sul passato, sull’azienda, sul suo rapporto con Gellner, sullo stato eccezionale di conservazione dei cementi di Gellner al Villaggio, e così via.
Del Gruppo F.lli De Pra fa parte anche, dal 1966, Calcestruzzi Dolomiti, con quattro impianti per la produzione di inerti e conglomerati in Provincia di Belluno, uno di quali a San Vito di Cadore.
E lo conosciamo bene, questo stabilimento, perché il verde carico granato dei suoi silos ci colpisce da sempre, perché il nostro occhio disteso tira ed è attratto dai fronti ribaditi e dall’ordini spiccati d’aguglia, altro che merli, etcetera.
Quei verdi ed altri pregni estetici cratoni instaurati c’invischiano proprio come una gomma liquida adesiva, ed oltre a quest’ordine di piani e vernici a colpirci son le FABBRICHE, che sentiamo ansimare nel Paesaggio, e del quale esse si nutrono, anche.
Lì, su quell’ansa della SS51 di Alemagna, allettato sul fondo cogliente soffice di ghiaino bianco come d’agh’insilenti del bosco -e sta proprio in mezzo bosco, ai piedi di Antelao e Sorapis- questo stabilimento, che ci ha sempre colpito, scoccandoci il ciervello come una freccia elastica passante lo schermo dell’iride (Fulci), il verde impressivo che ci ricorda i mille liquidi trasformativi della fantescenza che è un falso antidoto, come il benedetto siero di Herbest West, ed ecco che Bogdan l’ha riportato in questo quadro, Quello Stabilimento Tanto Verde Come un’Aliena Stazione Speziale, perché quando Bogdan è entrato a Corte, nella Selva Dolomitica di Corte a Borca, vi ha trovato, come di consueto, come sospesi nell’aria del paesaggio, e prima di cercarli sulla tela, i pezzi e le parti dei corpi smembrati del suo lavoro, che servono al suo lavoro, che fanno il suo lavoro, e li ha coaugulati, come un cantore, come un patologo, come Ed Gein.
Qui quest’’uomo seduto che guarda è una parte dell’uomo, degli uomini, un personaggio fantastico, che forse esce dalla fabbrica in cui lavora, ed il cui volto celato è anche il volto della coscienza dell’artista stesso che cela le proprie rassegnazioni esistenziali, mentre il bosco rado attorno fiammeggia pur preso dal bostrico, mentre le fabbriche trovate qui non son quelle della terra sua d’Ucraina, naturalmente, perché in ogni luogo la sensibilità attiva recettori specifici, se uno non è fesso nei recettori, e qui Bogdan ha preso quel che ha trovato, ovvero la natura e l’uomo e l’architettura di questa terra, e quelle fabbriche che nella sua produzione abbiamo visto tornare spesso, ma lì era l’Ucraina appunto mentre qui è qui, e quindi quando è arrivato a dipingere in residenza in Progettoborca Bogdan cercava delle altre fabbriche, le vuole gli servono nella composizione nella narrazione, e noi gliene abbiamo mostrate alcune che ci interessano perché pulsano o perché non pulsano più ma potrebbero pulsare ancora, noi siamo cacciatori di clamorosi meccanismi inceppati, ed erano queste fabbriche che lui cercava, non quelle altre ancora, e noi gliele abbiamo date, che mica è nostalgico il lavoro di Bogdan, affatto, e lui le ha prese, perchè invece il suo lavoro è onirico-proiettivo, ne parla anche Eleonora Ghedini, di questa trazione onironautica, nel testo della prima personale di Bogdan, che si intitola Unknown Events e si inaugura alla Barvinskyi Gallery di Vienna venerdì 23 febbraio 2024, e ci trovi alcuni dei quadri fatti a Borcia in questa mostra, e questo è uno di quelli, e i fusti e i fogliami risplendono perché quei colori ti si attaccavano all’appiccichi sinaptici del lobo temporale lo scorso ottobre, i colori dell’autunno quassù rimodulati nell’incalmo colle altre parti nel Sogno Lucido, però niente Don Juan qui, e così via.

Calcestruzzi Dolomiti, l’impianto di San Vito di Cadore (Foto Teresa De Toni)

Stefano Collarin, Silent Partner, sei foto di una serie di serie di 8, 2023

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Qui c’è reinnesto, la ricerca sui Caregheta avviata da Stefano Collarin nel 2023.
Da allora, questa sedia-carega è stata rivisitata da diversi artisti, ricercatori, dal bostrico, da un fusone.
I fusoni li conosciamo bene, come il comportamento degli ungulati, dal tempo di cristopher, che dal 2015 ha disciplinato la nostra interazione e il nostro sentimento e la nostra scienza del cervo, perchè il cervo è qui e anche noi, che conosciamo questo ambiente, perchè ci viviamo, lo studiamo, lo lavoriamo.
Li vediamo da anni, questi cervi, combattere con gli oggetti (fastidio per l’intruso), pettinarsi il velluto, scambiarsi gli odori utlizzando rami (o careghe), grattar palchi, e così via.
Cosa sia un cervo, molta gente non lo sa, non lo conosce, però lo fotografa, e gli da una mela (alle volte, così, uccidendolo).
Cosa sia una sedia, e come sia possibile ragionare in modo non iterativo sul suo design culturale, anche questo è un tema non sciocco, perchè spesso l’oggetto ridisegnato è sciocco e banale, ed in ciò nefasto, quindi occorre un altro approccio, forse in levare?
Non c’è alcun cervo, insomma, nè alcuna carega, in realtà: fino a quando non li poni.

Corte di Cadore, febbraio 2024

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Ma quanti i ritratti (dei) timidi sensibili, mica timidi nell’esecuzione pittorica, no certo, ma nel dirsi rotti, onestamente indifesi, che forma colore è un godimento – nella chiavica.
Si tratta invece di una collezione, una rassegna di fatti accaduti percepiti, inutile indossar tanti occhiali, vibrano a ventaglio come uno solo che trema, nessuna molteplicità è possibile, Kobo Abe, sotto alle lenti è contenuto il cristallo fino, di rocca, nell’occhio, come nel fondo della bottiglia.

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Quassotto, il lavoro installato nella MOSTRADIMEZZO, Openstudio Progettoborca DCPULSAR, ottobre 2023.
Foto: Teresa De Toni

Ogni anno e anche con #dcpulsar, i padiglioni dormitorio sopra a quel che è stato il Laboratorio di Casabella e poi lo Studio Casabellissimo di Agnese Galiotto e altre cose ancora prima e dopo nei tempi pulsanti fluenti, ogni anno su questi tre livelli si allestisce una mostraspontanea? una mostra che raggruppa diverse delle cose fatte durante gli ultimi mesi l’ultimo anno dai pittori d’Aula Magna e da altri che vengono e tornano a fare, e che vengono qui raccolte e ad alcuni e molti per la prima volta mostrate, e sta mostra si spande, quest’anno ha preso il piano d’accesso a terra, ci si arriva dal retro dell’Aula Magna, o dal lungo corridoio interno, quel piano con la sala spettacolosa d’accesso col tavolo autocostruito di Casabella e le travicemento modulate, preso questo spazio in questi giorni mobili come studio finale per la scultura di Valeria Pin, scultura che poi è rimasta lì, attualmente riversa, accanto ad una serie di disegni di Anna Marzuttini, Giulia Maria Belli, Sebastiano Pallavisini, Francesca Pieropan (questi disegni li pubblichiamo domani, e domani anche i lavori di Nanni De Biasi, che in Pulsar hanno occupato l’ultimo livello, e domani o posdomani anche la piccola mostra di Alessia Armeni sul paesaggiobostrico, tutte cose qui ai dormitori). Ora invece qui, nel racconto dell’Openstudio, mettiamo le immagini relative alla MOSTRA DI MEZZO, con questa aggregazione di alcuni freschi corpi di Borcia, e avanti. In questa MOSTRA DI MEZZO, tra i crepuscoli nel paesaggio, ci sono lavori di Francesca Pieropan, Nicola Facchini, Alan Silvestri, Marco Mastropieri, Ariele Bacchetti, Valeria Pin, Maria Giovanna Zanella, Luka Sirok.

Marco Mastropieri, Il tornante della foresta delle chiavi perdute, olio e acrilico su tela, 60×70 cm, opera realizzata in Residenza per Openstudio DCPULSAR, ottobre 2023.

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La prima impressione di Borca e del Villaggio ENI è stata la seguente: Dove sono le chiavi? Un pensiero tanto ossessivo da modificare la percezione del paesaggio.

Foto: Teresa De Toni

Francesca Pieropan, La mia prima pelle, colori e pastelli a olio, carboncino (ricavato da Fabio Tallo) su pella da conceria, misura variabili, opera realizzata in Residenza per Openstudio DCPULSAR, ottobre 2023.

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… Francesca ha realizzato questo lavoro su un lembo di pelle d’una conceria scledense; insieme ad alcuni disegni, che son ritratti di artisti e gente di DC, realizzati in Aula Magna durante la preparazione di #dcpulsar.

“Ho raccolto fotografie durante i primi giorni a Borca e ho scelto di ritrarre Valeria al lavoro sulla sua scultura e Tallo nel suo studio, unendo in un’unica immagine due momenti temporali diversi.”
“Sono fondamentali gli accostamenti di colore che applico mentre rielaboro l’immagine a partire dal riferimento fotografico statico. Stendo il colore sulla superficie tramite segni portati attraverso una serie di materiali differenti, i quali conducono a rese estetiche sempre diverse, in relazione al supporto che uso”.

Francesca ha dipinto anche gli abiti della Madre di Valeria  (la scultura in legno, poliuretano, carta e argilla, che forse si intitola Mia mamma è alta 1.77) …

Foto: Teresa De Toni

Alan Silvestri, Sui letti di Gellner, olio su tela, 100×120 cm, opera prodotta in Residenza per Openstudio DCPulsar, ottobre 2023.

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I lavori di Alan Silvestri e di Marco Mastropieri sono stati realizzati ad agosto 2022, quando i due artisti, dopo avere ultimato il proprio intervento sulla Tavola delle Foreste e Delle Acque al Nuovo Spazio di Casso al Vajont, sono rimasti per due settimane a dipingere a Corte, individuando e trattando una serie di stimoli e temi recepiti in loco.

Alan Silvestri lavora, da più di un anno, ad una serie di opere pittoriche incentrate sulla sospensione. La sospensione è un metodo per centrare l’oggetto in uno spazio: analiticamente o poeticamente?
Già nella tavola di Casso, un uomo vola, in sospensione nel quadro, controllando il paesaggio e la geografia del territorio ed il cantiere che lo rappresenta: che è il paesaggio-territorio stesso.
Qui invece, Alan è partito dal Villaggio Eni, da Gellner, e dal proprio stato in Residenza.
Pochi giorni a dipingere a Borca, sacco a pelo in casa, una sorta di bivacco sempre, è questo progetto mobile, degli spazi incerti, essi stessi sospesi, tra un passato gravoso, e un futuro invisibile o inimmaginabile ai più.
Il proprio sacco a pelo, è dunque rappresentato, a mezz’aria, come lo sono le architetture di Gellner a Corte, e la stessa villetta in cui Alan ha dormito, pensando, appendendo il proprio pensiero alla notte. Tutto il Villaggio di Corte, si sa, è sospeso: le campate aeree lo sollevano dal terreno.
Il quadro Sui letti di Gellner”, per l’Openstudio #dcpulsar, è stato allestito in mostra in uno dei dormitori della Colonia. Ai suoi piedi la struttura ispiratirce, con la sua geometria ortogonale di cinghie in pelle, ripresa nell’opera.

Foto: Nicola Facchini, Teresa De Toni

Il disegno quissopra invece rappresenta la stuba della Villa 171, quella in cui Alan ha vissuto in quei giorni, in Residenza: la stuba è un’opera di design; la stuba garantisce il calore nel bivacco sospeso della Villa; nel quaderno di Alan, insieme a questo, alcuni altri appunti visivi.

Marco Mastropieri, Jaws, olio e acrilico su tela, 20×30 cm, 2023.

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Guardare le Rocchette e associarle ai denti di uno squalo.
Nasce così un piccolo paesaggio che rielabora attraverso il reale la locandina del film di Steven Spielberg del 1975.
Marco Mastropieri in DC PULSAR Openstudio.

I lavori di Marco Mastropieri e di Alan Silvestri sono stati realizzati ad agosto 2022, quando i due artisti, dopo avere ultimato il proprio intervento sulla Tavola delle Foreste e Delle Acque al Nuovo Spazio di Casso al Vajont, sono rimasti per due settimane a dipingere a Corte, individuando e trattando una serie di stimoli e temi recepiti in loco.
La #fantescenza guida molti di noi a ragionare sempre su verità e ironia di realtà.
D’altro canto, la scorsa estate, sul tetto del Museo Vittorino Cazzetta di Selva di Cadore, c’era uno squalo, un megalodonte triassico. E certo, sepolture, come a Mondeval, dinosauri, come al Palmetto, e Squali a piovere, oggigiorno alla montagna: perché no?
Incorporato dal paesaggio.

Ogni anno e anche con #dcpulsar, i padiglioni dormitorio sopra a quel che è stato il Laboratorio di Casabella e poi lo Studio Casabellissimo di Agnese Galiotto e altre cose ancora prima e dopo nei tempi pulsanti fluenti, ogni anno su questi tre livelli si allestisce una mostraspontanea? una mostra che raggruppa diverse delle cose fatte durante gli ultimi mesi l’ultimo anno dai pittori d’Aula Magna e da altri che vengono e tornano a fare, e che vengono qui raccolte e ad alcuni e molti per la prima volta mostrate, e sta mostra si spande, quest’anno ha preso il piano d’accesso a terra, ci si arriva dal retro dell’Aula Magna, o dal lungo corridoio interno, quel piano con la sala spettacolosa d’accesso col tavolo autocostruito di Casabella e le travicemento modulate, preso questo spazio in questi giorni mobili come studio finale per la scultura di Valeria Pin, scultura che poi è rimasta lì, attualmente riversa, accanto ad una serie di disegni di Anna Marzuttini, Giulia Maria Belli, Sebastiano Pallavisini, Francesca Pieropan (questi disegni li pubblichiamo domani, e domani anche i lavori di Nanni De Biasi, che in Pulsar hanno occupato l’ultimo livello, e domani o posdomani anche la piccola mostra di Alessia Armeni sul paesaggiobostrico, tutte cose qui ai dormitori). Ora invece qui, nel racconto dell’Openstudio, mettiamo le immagini relative alla MOSTRA DI MEZZO, con questa aggregazione di alcuni freschi corpi di Borcia, e avanti. In questa MOSTRA DI MEZZO, tra i crepuscoli nel paesaggio, ci sono lavori di Francesca Pieropan, Nicola Facchini, Alan Silvestri, Marco Mastropieri, Ariele Bacchetti, Valeria Pin, Maria Giovanna Zanella, Luka Sirok.

Foto: Teresa De Toni

Marco Mastropieri, La terraformazione di Borca secondo la leggenda del diavolo e dell’acqua santa, olio su tela, 70×100 cm, 2023

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Riscrivere la nascita di Borca attraverso una visione di fantasia.
Lo spunto proviene dall’opera compiuta da Edoardo Gellner, l’architetto che ha progettato il villaggio ENI ai piedi dell’Antelao.
L’intervento architettonico ha contribuito alla forestazione dell’ambiente, all’epoca una pietraia, andando a generare un nuovo ecosistema.
Nel 2023, Mastropieri ha realizzato il primo quadro sul tema della Terraformazione di Borca, che poi ha generato un intero un ciclo pittorico, che è stato concluso nel 2025, e del quale diremo altrove.
L’acqua e il fuoco, agli estremi di questa prima composizione, contribuiscono a delineare un nuovo folclore, una nuova leggenda.
Il Pelmo, il trono di Dio, al cui interno l’acqua scorre attraverso infiniti canali formatisi nel corso dei millenni, si trasforma in una cascata che scende fino al fondo valle, dove incontra le fiamme che divampano dall’Antelao, montagna dove si trova il bus del diau.
Il mescolarsi di questi elementi genera un turbine di vapore che s’innalza verso il cielo oscurandolo di una nube pronta a piovere nuovamente verso il basso, generando un ciclo.

Ogni anno e anche nell’Openstudio Pulsar, i padiglioni dormitorio sopra a quel che è stato il Laboratorio di Casabella e poi lo Studio Casabellissimo di Agnese Galiotto e altre cose ancora prima e dopo nei tempi pulsanti fluenti, ogni anno su questi tre livelli si allestisce una mostraspontanea? una mostra che raggruppa diverse delle cose fatte durante gli ultimi mesi l’ultimo anno dai pittori d’Aula Magna e da altri che vengono e tornano a fare, e che vengono qui raccolte e ad alcuni e molti per la prima volta mostrate, e sta mostra si spande, quest’anno ha preso il piano d’accesso a terra, ci si arriva dal retro dell’Aula Magna, o dal lungo corridoio interno, quel piano con la sala spettacolosa d’accesso col tavolo autocostruito di Casabella e le travicemento modulate, preso questo spazio in questi giorni mobili come studio finale per la scultura di Valeria Pin, scultura che poi è rimasta lì, attualmente riversa, accanto ad una serie di disegni di Anna Marzuttini, Giulia Maria Belli, Sebastiano Pallavisini, Francesca Pieropan (questi disegni li pubblichiamo domani, e domani anche i lavori di Nanni De Biasi, che in Pulsar hanno occupato l’ultimo livello, e domani o posdomani anche la piccola mostra di Alessia Armeni sul paesaggiobostrico, tutte cose qui ai dormitori). Ora invece qui, nel racconto dell’Openstudio, mettiamo le immagini relative alla MOSTRA DI MEZZO, con questa aggregazione di alcuni freschi corpi di Borcia, e avanti. In questa MOSTRA DI MEZZO, tra i crepuscoli nel paesaggio, ci sono lavori di Francesca Pieropan, Nicola Facchini, Alan Silvestri, Marco Mastropieri, Ariele Bacchetti, Valeria Pin, Maria Giovanna Zanella, Luka Sirok.

Foto: Teresa De Toni

Andrea Visentini
Finestre multistrato
DC PULSAR
Corte di Cadore
27/29 ottobre 2023

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Andrea Visentini mica l’aveva detto, al solito, cosa avrebbe portato.
Ma sapevamo che sarebbe venuto, per #dcpulsar.
E infatti è venuto, e lo ringraziamo.
E’ venuto con suo padre, solita spedizione, stile alpino, veloci e scarichi, nessun carico o punta superflui, su i quadri e via, installatori superefficaci, non per questo frettolosi.
Lo ringraziamo perché ha portato i primi quattro pannelli di una serie nuova di dieci, mai vista sinora, e sti quattro li vedi qua.
Valentina Cima ha detto che non li si allinea in alto, i quadri.
Ma più alto o variabile avrebbero PERSO ALLINEAMENTO CON LA FINESTRA.
Il Viso li ha tenuti così.

Il lavoro prende avvio dalla serie delle Finestre di Robert Dalaunay, in particolare “Finestre aperte simultaneamente 1° parte, 3° motivo”, del Guggenheim di Venezia. Andrea ha utilizzato pastelli a cera, gessetti, materiali recuperati dall’uso dei bambini, e li ha usati, insieme ad altre forze di stesura e abrasive, per dar mano ai multistrati cinesi, dove ha provato ad organizzare la logica delle pulsar cromatiche, andato per la luce, senza cercare la profondità e anzi evitando di suggerirla, grattando alle volte e non solo aggiungendo, e insomma li vedi qua.

Ne dice invece Federico Rosso, il Verden:
Son piatti o volumi? Antri spalancati, vertici in cerca di una nuova strada, particolari che fuggono dal legno e investono come un pacchetto di mischia.. Ma è cercato? È un figlio voluto? O la tecnica, tenuta sempre un passo indietro, decide di scattare in avanti comunque, la tecnica che si ribella al pittore? Essa si affida al suo killer più letale, Luce, che s’impadronisce della volontà dell’artista, che non può far altro che arrendersi o morire.

Foto: Archivio DC

Valentina Cima
sessanta pecore circa
Installazione su dalle scale fuori dal refettorio
per PULSAR
23/29 ottobre 2023

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Da maggio 2023 Valentina Cima lavora con le pecore.
Il suo lavoro andrà avanti a lungo e lo vedrete.
Per ora vi diciamo poco, molto poco.
D’altro canto Valentina non parla molto.
Però non bela mai.
BEEEH?
Questo lo scrisse avanti al cancello della Colonia lo scorso giugno: ricordi?

Dal 25 aprile al 15 giugno, Valentina ha seguito Virgilio Eccel e la sua famiglia, composta da Graziella Froner, Anna e Sabrina, e poi da Anton Unterstainer (DC), che noi conoscevamo già da tempo, e questo gregge di pecore.
Sono pastori, costoro, e vanno.
Ne son successe di cose da allora.
Adesso c’è il suo allestimento, molta lana di pecora, in Colonia.
Vieni a vederlo, e portati una frontale, che va buio presto ormai.
La lana è stata presa al Giau poche settimane fa.
Una TOSATURA dolomitica, qua siamo.
Valentina ha casa a Zoppè, anche. Così ora lo sai. Anche a Zoppè è passato il gregge, e per molti altri dove.
Ora mille percore stanno a Borca, sui prati sotto al Villaggio sopra alla SS51.
O forse son partite ieri.

Valentina ha raccolto un gran numero di immagini, di queste fede, di questo andar con loro e con li pastori.
Se ne trarrà un’edizione.
Per ora vedi l’installazione alla Colonia e tre.
La vedi e la senti, col naso anzichenò.
Cambia l’aria in Colonia?
Questo sempre, e mai, e non si sa.

SPACESHEEP, quest’altro titolo è un giuoco.
Ci piace però: pensala accanto a Space Days Vol. 3, tutti su nel zielo.
Tutti ad esplorare lo spazio sempre.
Tutti quelli che ne son capaci, gli altri brucano.

Pecore aliene: ma noi non lo siamo.

Quando abbiamo pensato SPACESHEEP (mezz’ora fa), abbiam visto subito che qualcuna aveva già usato stra parola.
Piuttosto scontato.
Ma sto qualcuno l’ha usata in modo diverso, con uno scopo diverso: mentre l’accezione è sempre tutto; l’accezione è un pò come il Contesto per Jaar, anzi è di più, perchè il logos non è il contesto, mentre il testo è la realtà del contesto.
Quindi, sta foto quassotto non è nostra, ma la mettiamo, ve l’abbiamo detto perchè, e avanti.

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Foto: Teresa De Toni

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Progetto finanziato dall’Unione europea – NextGenerationEU
E sostenuto da tutta la rete DC

video in loop, 9’, 2023

Sale Calante
di Caterina Erica Shanta
con Performance di Fabio Talloru
Dormitorio MF
Venerdì 27 ottobre 2023
Ore 21.30

Un frammento visivo le cui immagini trasfigurano elementi acidi e basici di sale, roccia e minerali generati attraverso i millenni dall’incessante lavorio dell’acqua. In assenza d’acqua esistono nuovi deserti. Un video silenzioso di nove minuti in loop, verrà sonorizzato durante una performance in collaborazione con Fabio Talloru.

Le riprese sono state realizzate da Caterina all’interno del museo di Geologia di Città del Messico nel 2023.

Nuvola Camera,
Playground I, 40×30 cm, olio su tavola, 2023
Playground II, 29×20,5 cm olio su tavola, 2023
Playgrounds, 29×20,5 cm, olio su carta, 2023
After Rain, 40×30 cm, olio su tavola, 2023
Senza Titolo, 20,5×29 cm, olio su carta, 2023
Pacifier, 40×30 cm, olio su tavola, 2023
Sign, 20,5×29 cm, olio su carta, 2023
Orticheto, 19,5×24,8 cm, olio su carta, 2023

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I lavori di vedi qui: sono stati inseriti nella mostra collettiva Neoformazioni forestetiche, a cura di G. D’Incà Levis, allestita presso il Nuovo Spazio di Casso al Vajont fino al 31 dicembre 2023, all’interno di Delle Foreste e Delle Acque.

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Nuvola è venuta in residenza a Corte di Cadore, in Progettoborca, a maggio 2023, invitata da Ariele Bacchetti, che è uno degli artisti seminatori e raccoglitori che lavorano con DC, questi artisti intelligenti che aprono tutto, che sempre aprono questo mondo-cantiere dell’idea incarnata, anche nel segno, agli altri bravi, ed è così che il progetto, che è un pensiero attivo e degnamente rappresentato (ma qui rappresentare è essere), cresce bene e dritto e si amplia sempre, come una montagna-cava o miniera: o nuvola concentrata mobile. Quando occorre, fanno tempesta. Per il resto, l’amore non sta alla finestra. Hanno riflettuto insieme sul paesaggio, guarda i due lavori analoghi quassotto, a sinistra Nuvola, destra Ariele.

Alcuni lavori sul paesaggio, e in particolare sull’emersione dell’architetture di Gellner dal Paesaggio e sull’immersione del paesaggio nelle architetture di Gellner.
Quindi la serie playground, i campi sportivi di Gellner sotto alla Colonia, eccoli qua, insieme agli altri, con il fuoco, la 169 dalla 171, la ruina di cancia con la diga giapponese: non è vero che la frana viene giù, quella è una balla.

La mia ricerca sul paesaggio avviene inizialmente tramite lo spostamento. Se però prima di arrivare a dolomiti contemporanee la modalità di osservazione era quella di mantenere il mio sguardo come cardine e muovere tutto il resto, insediarmi presso la Colonia dell’ex villaggio Eni a Borca di Cadore ha richiesto uno sforzo di integrazione, prima che qualsiasi tentativo estetizzante potesse essere anche solo immaginato. Ho assistito al continuo contrappunto dell’azione dell’uomo sul paesaggio dolomítico e contemporaneamente mi sono immersa nel dettaglio di ogni voce, cercando di capirne le intenzioni e gli esiti. Nonostante il tentativo fosse quello di percepire una composizione generale, quello che è successo riportando gli esiti di queste immersioni in profondità è stato intravedere improvvisi scorci spesso distorti, dalla prospettiva particolarmente limitata, che sortivano l’effetto di unire elementi in realtà distanti, ottenendo un’impressione inaspettata e suggestiva. Il fatto che le immagini ottenute da questi prelievi fossero anche discordanti tra loro, non uniformi, e questo luogo fosse infine impossibile da inquadrare, si è rivelato l’unico modo per mostrarne la complessità e le contraddizioni che lo caratterizzano.

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Nel settembre 2015 ho dormito per tre notti in una piccola stanza nell’area dell’infermeria della colonia. Ho montato una tenda e un chiavistello sulla porta per affrontare meglio la sensazione di timore e solitudine nell’immensa architettura, involucri necessari. Tre notti di sonno polifasico hanno innescato una serie di processi che hanno portato a diversi risultati, più o meno concreti, tra i quali un piccolo film di circa 10 minuti, 24 polaroid dell’interno della stanza, 4 trappole cattura-orme, un piccolo manuale di auto-terraformazione e una collezione di insetti morti. Questo progetto s’intitolava allora, s’intitola ora, - A-n-T.
La tenda in cui ho dormito è rimasta montata nella piccola stanza per questi 8 anni, spostandosi e cedendo in vari punti, perdendo colore e robustezza. Le 24 polaroid hanno trovato indipendentemente altre collocazioni, alcune fuori dalla finestra, alcune in un armadio metallico, alcune nascoste. Nelle trappole cattura-orme sono passati così tanti animali da non poterli più contare con esattezza e la collezione di insetti morti si è semplicemente disgregata.
Nel 2022, una martora di nome Travis è stata svezzata nella stanza, vivendo nella tenda per qualche tempo, dalla sua infanzia alla sua pubertà avanzata, svolgendo tutte le sue funzioni negli interstizi del lavoro.
Nell’agosto 2023 sono tornato a intervenire nella stanza dell’infermeria, eliminando alcune superfici della tenda per lasciarne lo scheletro. Mi interessava l’idea di ridurre il lavoro a un disegno tridimensionale e riportare in tensione la struttura primaria della tenda. L’involucro principale è ora un insieme di linee tese nello spazio, ancorate a pezzi di pompe idrauliche. Le 12 polaroid rimaste nella stanza sono fissate a un supporto rigido diagonale e sembrano una piccola colonna vertebrale, l’organo interno del passaggio nel paesaggio

Foto: Filippo Gobbato

Trevis D’Incà è una martora, Dolomiti Contemporanee sa lavorare sui selvatici.
Questo piccolo mammifero cazzuto è arboricolo: ma non lo sapeva ancora.
Si aggirava spaesato e franto per gli ambienti della Colonia di Corte, nella gran tana di Gellner. Così, come abbiamo fatto altre volte, come con Cristopher, l’abbiamo catturata, svezzata, quindi liberata. Un mese di vita, ospite dello spazio di Mattia, convertito in nursery.

Foto: Archivio Dolomiti Contemporanee

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Alessia Armeni ha lavorato in Progettoborca ad agosto 2023.
Durante il suo ciclo di residenza, ha potuto conoscere Giacomo Gasparini, studente del Corso di Scienze Forestali e Ambientale dell’Università degli Studi di Padova, che con il Tesaf si occupa del monitoraggio del bostrico acuminato, e delle difesa del pino silvestre dall’attacco di questo fitofago aggressivo. Le trappole a feromoni sono diventate così il soggetto di una serie di ritratti del paesaggio, sensibilmente modificato dal’azione dello scotilide.

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Scrive Roberto Calasso ne “Il Cacciatore Celeste”: ”La preda esige la messa a fuoco: lo sguardo che isola, restringe il campo visivo in un punto. E’ una conoscenza che procede per cesure successive, ritagliando figure da un fondo. Circoscrivendole le isola come un bersaglio. Anzi il gesto del ritagliarle è già il gesto che le colpisce. Altrimenti non nasce la figura. I miti sono ogni volta un sovrapporsi di profili recisi. Spingendo all’estremo questo modo della conoscenza, accumulando profili ricomincia a tessersi la tela del fondo da cui furono strappati. Questa è la conoscenza del cacciatore” Ancora a questa conoscenza del cacciatore-raccoglitore attinge il pittore, quando dall’osservazione del paesaggio compone e scompone profili, isola sagome da un fondo, identifica relazioni delle emergenze ed un contesto, nell’azione di riprodurre sul quadro, con i propri mezzi tecnici ed espressivi, le insorgenze, anche critiche, che l’osservazione comporta.

La presenza del Bostrico, minuscolo coleottero in progressiva espansione, si manifesta nel paesaggio dolomitico negli ampi settori grigi che maculano il verde del bosco; è una presenza immanente, difficilmente visibile direttamente, se non nei vasti esiti della sua azione.

Così il fondo tinto nella tecnica della pittura ad olio, è un sottofondo cromatico omogeneo sul quale va a stendersi la pittura, spesso ricoprendolo integralmente; nell’esito di un quadro non è più direttamente visibile, ma resta come presenza immanente, sorreggendo e orientando ogni tono cromatico che vi si sovrappone.

Ho voluto provare a rappresentare la presenza del Bostrico nel paesaggio di Borca di Cadore nei quadri eseguiti “en plein air” durante il mio soggiorno presso Dolomiti Contemporanee nel mese di agosto 2023.

L’esito di questi quadri, il loro rimando, che in parte mi ha sorpreso, è affine ad una sorta di termografia, ovvero di uno strumento rivelatore di ciò che non appare direttamente alla vista, ed è determinato da aree dove non sono intervenuta con la pittura, lasciando apparire il fondo tinto arancione a stagliare la figura dolente.

Foto: Teresa De Toni

Crocevia, Cappella delle Religiose, Colonia ex Villaggio Eni di Corte di Cadore, Borca di Cadore (IT); terracotta, roccia ignea, vetro, gesso al quarzo, gomma siliconica al platino, cemento, sabbia di fiume dimensioni determinate dall’ambiente, ottobre 2022 (Openstudio Tromamotel).

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Sta in prima battuta nel gesso; polvere bianca, che riscalda e fa presa
Le opere sono come parole di un discorso: ognuna è un’entità a se stante che insieme alle altre costruisce un’altra entità. E così, mentre stavo all’interno dell’area mi scoprivo capace di resistere agli sbalzi termici, e mentre lavoravo mi pareva che era di fatto la mia gestualità che cercavo di scoprire. Cercavo di scoprire la forza costruttiva del gesto nella materia. Come a compiere un processo di decostruzione e poi di costruzione. L’opera – meridiana – tratta di sculture, di architetture e di luoghi. E Spazio. Perché c’è questo piede che è il luogo della gravità.
Silvia Listorti

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Il lavoro (tecnico) di Listorti viene dopo la presa sullo Spazio, che è un’esercizio di imbibizione osmotica spirituale.
La Cappella delle Religiose è uno scrigno nella Colonia, luogo di coltivazione dei silenzi, dove i gesti attenti di Gellner configurano il sacello emotivo.
Una piccola macchina delle relazioni matematiche, apparentemente arginata (in realtà scala il tempo), dove gli oggetti e i fatti plastici trascendono sé stessi generando uno Spazio integrale sospeso compiuto (era già una macchina).
Col quale Spazio non è facile relazionarsi, ci vuole un costrutto coerente e allinearlo.
Una poesia che è una macchina.
Terrà essa un’altra azione compatibile, accetterà o respingerà questo avvicinamento?
Ben decisa e calibrata una ferma carezza soave, qui non una meccanizzazione, la rotazione meridiana impressa al migrare dei fotoni nella polvere avanti ai Quadri di Gellner che si proiettano (senza fluttuare: tu fluttui qui dentro) sul cemento battuto a punta drio l’altare e in terra, che è dove vengono dislocati gli altri materiali scultorei, lì fermi e scorrono, il meccanismo articolato su un perno lento neroleato.
Le Terra Cotte e gli allineamenti, la meccanica celeste che pretende il dominio della tecnica, ecco le opere distese nella misura, e vetri e sabbie e siliconi e la composizione geometrica intuitiva, il lavoro appunto, quanto lavoro ben fatto in complessa orditura, le tecniche di presa che risollecitano trasformano le matrici, la Cappella non cambia ed è nuova, questo passaggio l’ha mossa e la tien ferma,
Tempo, Biga, Taci, Asculta.

Gianluca D’Incà Levis

Foto: Teresa De Toni e S. Listorti

Giorgio Barrera – Nuova Tassonomia Cromatica Gellneriana sulle piante e sui colori dell’ex-villaggio Eni di Borca di Cadore

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I colori di Gellner, Goethe, la torbidezza, il verde, il valore morfologico,
il paesaggio, l’organicità, la relazione.
I colori dell’architettura del Villaggio Eni di Borca di Cadore progettato da Edoardo Gellner,
l’ambiente naturale e un approccio empirico esperienziale sono gli elementi principali di questa ricerca.
Chi conosce anche solo un po’ la storia del villaggio Eni sa che, prima dell’inizio dei lavori, l’area adesso occupata dal villaggio era chiamata una sassaia covo di vipere. Si può facil-
mente immaginare, guardandola adesso, quanto paesaggio è stato costruito e quanta sensibilità e coscienziosità lo permeano. Gellner infatti conosce molto bene questo territorio,
lo vive e lo fotografa molto, conosce precisamente la luce delle valli, le montagne, l’habitat naturale e ovviamente la storia dell’architettura di questi luoghi.
Una delle prime fotografie che ho realizzato nella mia prima residenza (2015) a Dolomiti Contemporanee ritrae una pianta che si staglia su una delle pareti bianche della colonia. Dopo cinque anni, mentre camminavo fra gli edifici, ho rivisto un’immagine simile a quella che avevo realizzato anni fa e da quella rinnovata osservazione ho tratto un nuovo incipit.
È così che è nato questo progetto di ricerca che aspira a mostrare visivamente la relazione che i colori scelti da Gellner per le facciate degli edifici del Villaggio Eni sono lo strumento che mette in relazione l’architettura del Villaggio e l’ambiente naturale (in particolare le piante e gli alberi) che lo circonda.
Perché? Perché i colori usati nelle architetture del villaggio sono proprio i colori ricavati grazie all’osservazione del territorio delle Dolomiti bellunesi.
Dalle sue scelte cromatiche Gellner esclude il verde: da ciò ho sentito la necessità di porre il mondo vegetale, emblematicamente rappresentato dal colore verde, in relazione con la componente coloristica da lui adottata.
A titolo esemplificativo fra i colori utilizzati per le pareti degli edifici ci sono l’azzurro del cielo terso e denso, il grigio nembo e fosco delle giornate scure, il rosa delle Dolomiti. Questi come tutti i colori individuati per il Villaggio (di questo mi devo accertare) pare nascano dalla combinazione dei seguenti colori: giallo, blu, rosso e bianco.
Il primo passo del processo è stato estrarre i colori delle facciate degli edifici con diverse qualità di luce. Ne è nata una tavolozza che mi è servita per realizzare gli sfondi dove il mondo vegetale trova una nuova collocazione.

In via generale, ogni volta che guardiamo il colore di un’oggetto, di una parete o di un’auto, abbiamo l’arroganza di volerlo definire. Tendiamo cioè a ridurlo dentro una formula o ad abbinargli un codice, in poche parole abbiamo l’abitudine ad astrarre il colore dal contesto in cui si trova per cercare di oggettivizzarlo.
Lo stesso siamo portati a fare con i colori usati da Gellner per le architetture che compongono il villaggio ENI, viene spontaneo rinchiuderli in un campionario e lì archiviarli, ma l’osservazione e l’esperienza del luogo rivelano tanto schiettamente e quasi banalmente che anche i colori apparentemente immobili degli edifici variano dinamicamente al variare della luce.
Goethe diceva che il fenomeno della formazione del colore si realizza nella torbidezza che agisce attraverso la luce e l’ombra, tra il chiaro e lo scuro e ne La teoria dei colori il giallo e  l’azzurro sono considerati i rappresentanti della luce e dell’oscurità.
Dalla combinazione dinamica del giallo e dell’azzurro nasce il porpora, ovvero il rosso. Il rosso è la risultanza di un incontro splendente di polarità positive e ascendenti della forza cromatica.
Diverso è invece l’incontro dell’azzurro e del giallo che genera il verde. In questo caso, sempre nella visione di Goethe, il verde nasce per un’unione atomistica che crea un sacrificio di entrambi questi due colori che aggregandosi si mescolano meccanicamente.
Possiamo quindi asserire che, seguendo questo pensiero qualitativo, i colori fondamentali o primari sono il giallo, il blu e il rosso.
Queste mie conoscenze hanno trovato una curiosa coincidenza quando, portando avanti le mie ricerche e salito al villaggio ragazzi per campionare toni e densità dei colori lì presenti, ho nuovamente realizzato che le capanne sono proprio dei colori giallo, blu, rosso e bianco.

È possibile che Gellner abbia pensato i colori del villaggio ragazzi seguendo le riflessioni di Goethe? O si è riferito alla storia dell’arte e alla simbologia a cui questi colori riferiscono?
Non conosco ancora tali aspetti del pensiero di Gellner ma la coincidenza e le riflessioni restano e sono state determinanti per me nel proseguire il lavoro.
Come già accennato più sopra, Gellner ha scelto i suoi colori con l’intenzione di creare attraverso le tinte, relazioni tra ambiente naturale e architettura. Deduco che, proprio per sottolineare il ruolo decisivo che il colore può svolgere in architettura, Gellner sembra voler rendere omaggio ai colori del territorio attraverso la loro presenza nel Villaggio Eni. Questo riconoscimento pare possedere il duplice significato sia di presa di coscienza sia di gratitudine e celebrazione verso i colori stessi.
Cosicché nel trovare una modalità espressiva che potesse mostrare questa relazione concretizzata da Gellner nella sua architettura in attesa di venire circondata da quel verde che si sarebbe sviluppato negli anni dopo la costruzione del villaggio, mi sono concentrato anche sulle piante.
Nella mia ricerca non c’è una finalità obiettivistica o un desiderio tassonomico e scientifico (se non parziale o incidentale), vi è semmai l’intenzione di cercare, attraverso le apparenze soggettive, il pensiero dietro le cose. Infatti, le fotografie che ho fino a ora realizzato, sebbene mostrino il mondo vegetale attraverso una porzione ordinata della pianta sottratta al suo contesto naturale, mostrano la stretta relazione che questa intrattiene con i colori utilizzati da Gellner.

Infatti, “I tratti caratteristici della forma hanno un particolare valore morfologico che non può essere compreso né con la funzione di conservare la vita, né con quella di manifestare i cambiamenti degli intimi umori. Questo valore morfologico ci rende visibile la speciale natura di ogni organismo particolare. Le qualità proprie, presenti nella struttura invisibile della sostanza vivente, e cioè del protoplasma, di una determinata specie fanno risentire il loro influsso in tutte le reazioni del sangue e determinano anche il peculiare modo di comportarsi della specie stessa; queste qualità divengono evidenti, esprimendosi nell’aspetto esterno. L’olandese Buytendijk, [...] chiamò una volta questo significato del loro aspetto “valore esibito dell’esistenza”. Io l’ho chiamato come il “valore della presentazione”. (Darstellungswert) Il porre l’accento sul ‘”valore della presentazione” dovrebbe attrarre di nuovo il nostro sguardo verso la proprietà più significativa delle forme organiche, che è quella di rendere manifesta, nel linguaggio dei sensi, la peculiare natura dei singoli esseri viventi e di portare, di detta natura, la testimonianza diretta nelle loro fogge particolari.”
(Adolf Portmann, Le forme degli animali, Feltrinelli, Milano, 1960. p. 238-240).
Procedendo così, se nelle forme e nella funzionalità dell’architettura organica degli edifici del villaggio possiamo riconoscere l’apertura di questi verso la ricerca di rapporti con la natura circostante, possiamo anche ravvedere nell’uso del colore lo strumento che permette di realizzare tutto ciò. Questi colori infatti sono la presenza simbolica e simbiotica, l’espressione vitale dell’ambiente naturale presente in questo territorio e al tempo stesso, come suggerito da Portmann, sono l’elemento che può rendere più organici e quindi più espressivi gli edifici del Villaggio di Gellner.

 Giorgio Barrera, luglio 2022

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Ombelicae. Openstudio Olimpico Progettoborca, ottobre 2021, Colonia. Foto Giacomo De Donà.

Della Cipessa, Maria Giovanna Zanella, abbiamo avuto, nello StudiOlimpico di ottobre 2021, oltre al rosso falsotricotico supersinaptico, i quadri medi e grandi belli, realizzati la scorsa estate al Campeggio -dove lei tiene dei conti in sospeso coi cervi- quadri carichi di colore acceso, che in parte i corridoi de Gellner finalmente spengono o calmierano negli inopportuni riflessi e smaccati.
Bene, qua intravvedi i quadri, dal minuto 3:40.
Durante l’Openstudio Maria Giovanna ha portato avanti anche Ombelicae: e qua siamo in copertura del Tempio Tibetano della Colonia.

Il progetto Ombelicae è nato nel 2019, pensato per essere replicato e crescere nel tempo e nello spazio. Il progetto consiste nel creare uno spazio calcografico conviviale e interattivo dove propongo al pubblico di sdraiarsi e mi lasciarmi prendere un calco del loro ombelico. Il tempo di asciugatura dell’intonaco (circa 20 minuti) rende indispensabile l’allestimento di un ambiente accogliente e uno spazio di dialogo tra il pubblico e l’artista. L’opera finale sarà una costellazione di calchi in gesso installati tramite magneti probabilmente su una parete verticale.

L’ombelico è un nodo sul bordo, la pelle dove finisce la pelle; è il limite tra l’interno, l’esterno e la superficie. Il fulcro visivo, l’acme sospeso tra la testa e i genitali diventa un centro simbolico, ermafrodita, carnale e spirituale allo stesso tempo. L’opera propone una riflessione sul tema dell’intimità e della convivialità in un periodo storico che tende alla frammentazione. La sfera dell’intimità e la ricerca dell’autocoscienza si giustappongono al bisogno di scambio e di socialità.
La traccia del cordone ombelicale è il segno della connessione con la madre, fonte di nutrimento, primo canale di interazione e quindi primo vero contatto del bambino con l’altro.
Mostrare la pancia nel regno animale è segno di resa e sottomissione, ma implica anche una forma di fiducia. Il gesto richiesto in questo caso al pubblico è un atto di esposizione e di liberazione, ma anche un invito all’autoesplorazione e all’autoindagine.

Per calcare i ‘belichi, l’indomita Cipessa (se la vuoi ferma, dalle una botta ma forte al capo) ha utilizzato la polvere sottilissima recuperata all’indomani del crollo di Punta dei Ross in Croda Marcòra, Gruppo del Sorapìs, magistralmente raccontata dall’avvocato.
E niente, ma ancora.
Aderire al territorio.
La montagna che crolla.
Fisiologia e gravità.
La rappresentazione interpretata: basta & bisogna esserci, e saper sbalzare.
E’ così che s’incappa nei temi: chi ne è capace vi entra.
Direbbe uno stracco e retorico: l’ombelico è dunque il territorio?
E però.